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Algo huele mal en la provincia de Ontario. Es el segundo número del musical estrella en el festival de Stratford de Canadá, el jamboree de Shakespeare que ha celebrado al Bardo de Avon británico durante más de 70 años. Esta es una ciudad donde una calle, una escuela y un hospital de mascotas se llaman Romeo. Pero, ¿qué es lo que escucho? “¡Dios, odio a Shakespeare!”, dice el tipo en el escenario revolucionario del teatro Festival de Stratford, preguntando cómo “un actor mediocre de un pueblo insignificante” logró convertirse en “la joya más brillante en la corona real de Inglaterra”. El sacrilegio continúa mientras el presumido Bard se sube al escenario para acaparar el foco de atención con la canción Will Power, y el “sultán de los sonetos” empuña una pluma gigante como un micrófono y coquetea descaradamente con los fanáticos.
Grosera, estrafalaria y casi incesantemente divertida, ¡Something Rotten! es el espectáculo destacado de la temporada 2024 de Stratford, fusionando las dos grandes tradiciones del festival de Shakespeare y el teatro musical. Esta historia renacentista de los hermanos dramaturgos en ciernes Nick y Nigel Bottom (Mark Uhre y Henry Firmston), que trabajan a la sombra del todopoderoso Shakespeare (Jeff Lillico), recibió 10 nominaciones a los premios Tony en su estreno en 2015, incluyendo mejor partitura (de los hermanos Wayne y Karey Kirkpatrick) y mejor guion (coescrito por el columnista de The Guardian John O’Farrell). A pesar de tal éxito, inexplicablemente ha pasado casi una década para que reciba un estreno en el Reino Unido, pero ahora se presentará una versión de concierto durante dos noches en el Teatro Royal Drury Lane de Londres en agosto.
Vergonzoso … Jeff Lillico, arriba, como Shakespeare en ¡Something Rotten! Fotografía: David Hou
Se encuentra perfectamente en casa en el Stratford de Canadá, asentado en 1832 y rodeado de tierras de cultivo, que tiene una reputación teatral que rivaliza con la de su homónimo británico. Hay bromas irreverentes sobre el teatro musical a montones mientras los hermanos Bottom reciben consejos de un adivino que les asegura que es lo próximo grande, lo que desencadena una burla cariñosa en un número brassy, de patadas altas y mareantemente metafórico que desglosa los ingredientes clave del género con referencias a Les Mis, Annie y decenas de otros espectáculos. Una batalla de rap al estilo de Hamilton encuentra pareados rimados disparados por el escenario y el espectáculo tiene un toque de Los productores, también, mientras los Bottoms ensayan la canción La Peste Negra (primer verso: “¿Qué viene por la Ruta de la Seda?”) completa con una línea de coro de la Parca.
Al igual que Upstart Crow, ¡Something Rotten! entrelaza elementos de las obras originales en una historia de identidades ocultas y encuentros secretos mientras Nigel se enamora de Portia (Olivia Sinclair-Brisbane), cuyo padre puritano alberga un deseo apenas disimulado por el teatro (las expresiones de Juan Chioran son exquisitas mientras expone continuamente sus pasiones secretas a través de inadvertidas insinuaciones). Una escena destacada tiene a Nigel recitando poesía a Portia, que la recibe de forma orgásmica antes de que eyacule prematuramente el verso.
La producción, dirigida y coreografiada con entusiasmo por Donna Feore, es interpretada por un elenco que irradia el conocimiento de lo bueno que es este material. También refleja de manera ingeniosa a otros espectáculos de la temporada de Stratford. La trama tiene amantes condenados y hay una alerta de spoiler sobre el último éxito de Shakespeare, Romeo y Julieta, que un personaje en el musical va a ver. Esa tragedia también tiene una salida melosa para los espectadores de Stratford, dirigida por Sam White en el mismo escenario. En un momento del musical, Shakespeare se disfraza de Toby Belch; Noche de reyes, dirigida por Seana McKenna con Scott Wentworth como el camarada Belch, también se está representando en el teatro del Festival.
Lo que verás … Deborah Hay, en el centro, como Feste en Noche de reyes. Fotografía: David Hou
¡Something Rotten!, Noche de reyes y Romeo y Julieta se presentan en rotación con funciones matutinas y vespertinas; gracias a un equipo técnico eficiente que maneja rápidamente los cambios regulares de escenografía, se pueden ver dos espectáculos en el mismo día. Este doble programa cristaliza las conexiones entre las obras, pero también permite ver a actores del conjunto teatral de repertorio clásico más grande de Norteamérica asumir un par de roles uno tras otro, como la excelente Jessica B Hill como Lady Capulet y Viola.
La Noche de reyes de McKenna domina la mezcla requerida de alegría y melancolía, cambiando la historia nombrada en honor a un último día de festividades al amanecer del verano del amor de 1967. Las vibras hippies y despreocupadas coinciden con el espíritu de “lo que quieras” de la obra que se encapsula en una notable pieza de diseño escénico. Christina Poddubiuk ha colgado, sobre el escenario, un móvil cuyas varillas se asemejan a remos (perfectos para el escenario costero) y un árbol genealógico. Gira como el trompo del tiempo de Feste a lo largo del espectáculo, los componentes relucientes tocándose ocasionalmente, como si fueran percusión para la partitura que incluye jazz, rock y folk. El espectáculo culmina en un torbellino de movimiento combinando elementos de la locomoción, el hitchhiker, el jerk y otros bailes frenéticos.
Belch de Wentworth aparece con los pantalones remangados, presumiblemente directamente de un chapuzón en el mar, y pronuncia líneas como si estuviera sufriendo de indigestión. Aguecheek de Rylan Wilkie lleva el pelo largo y se asemeja a un confundido Austin Powers. Juntos, la pareja intercambia movimientos de baile en su intercambio de “dar un paso”. Feste de Deborah Hay es una trovadora que se viste como Joni Mitchell, el discurso “todo lo que se arregla no es más que remendado” reflejando su atuendo de mezcla y combina.
En medio de este conjunto vibrante se encuentra una Malvolio femenina (Laura Condlln), interpretada como la más cuadriculada, con los gestos meticulosos de Condlln con los dedos similares a los de Tamsin Greig en el papel en el Teatro Nacional en 2017. Es una actuación física soberbia, desde su cuclillas como si estuviera orinando sobre la carta de María para admirar sus “grandes pes” hasta algunos empujes excesivamente entusiastas de grandeza. La comedia física alcanza su punto álgido cuando Aguecheek y Cesario se acobardan durante su combate de boxeo.
Sano … Vanessa Sears como Julieta y Jonathan Mason como Romeo. Fotografía: David Hou
Romeo y Julieta también se ve reforzada por decisiones musicales inteligentes. En el teatro Festival, todas las actuaciones son anunciadas por el fanfarria tradicional interpretada en vivo fuera del edificio por músicos con trompetas heráldicas y un tambor militar de desfile. La producción de Sam White continúa el ritmo con dos bateristas que aparecen en el escenario para un prólogo cantado por Julieta (Vanessa Sears) con túnicas y tocados angélicos fluyentes, con un efecto extraordinariamente íntimo. Los bateristas reaparecen a lo largo del espectáculo, aumentando la tensión para las escenas de pelea, la más impactante de las cuales es la muerte de Tybalt, que no es asesinado por una espada, sino estrangulado con su propio collar por Romeo.
Sears canta nuevamente cuando se encuentra con Romeo en el baile. Se introducen arias en la obra, firmemente ambientada en el Renacimiento italiano, incluyendo el Lamento de Dido de Purcell, cantado para Julieta por la Nurse (Glynis Ranney). Es una adición encantadora, una alternativa a la Nurse despidiendo a los músicos de la boda y permitiéndole una despedida más reflexiva a su hija sustituta que el habitual choque de “día lamentable, lamentable”. Eso es emblemático de una versión que explora todas las formas de amor, romántico y familiar.
White logra una claridad penetrante en una producción que avanza rápidamente a pesar de los recortes mínimos al texto. El Romeo de Jonathan Mason trabaja con facilidad la primera fila (“Muéstrame una amante que sea pasajeramente hermosa”, dice con un guiño, señalando a un espectador) y escuché suspiros de satisfacción detrás de mí durante el soneto de los peregrinos sagrados. La escena del dormitorio es bastante sana: la pareja vestida de blanco abullonado en el balcón de Julieta para un breve momento de quietud antes de que la tragedia se precipite hacia su clímax.
La tercera obra de Shakespeare de esta temporada se encuentra en el teatro más pequeño de Tom Patterson de Stratford, donde la historia de los recién casados condenados de Cimbelino se convierte en una pieza de cámara complementaria a Romeo y Julieta. La directora Esther Jun encuentra soluciones inteligentes para algunas de las características más complicadas de la obra, como la escena introductoria de dos caballeros, que puede volverse pesada en manos equivocadas. Escuchamos fragmentos susurrados de discursos posteriores en la obra mientras los personajes inundan el escenario para un baile grupal antes de congelarse en un cuadro, animándose individualmente cuando son presentados por el prólogo.
Animado … Allison Edwards-Crewe como Innogen en Cimbelino. Fotografía: David Hou
Innogen es interpretada con espíritu por Allison Edwards-Crewe, excelente como Hero en la revisión feminista del año pasado de Mucho ruido y pocas nueces. Jordin Hall interpreta a Posthumus Leonatus, el nuevo esposo de Hero, y muestra el poder corrosivo de las conversaciones de vestuario de hombres mientras es incitado a una apuesta con Iachimo (Tyrone Savage) sobre su fidelidad. Jun se divierte con los arquetipos de cuento de hadas de la obra: la malvada reina madrastra aquí se convierte en un duque astuto con una coleta trenzada (Rick Roberts) mientras que el villano Cloten (Christopher Allen) se interpreta puramente como comedia, un narcisista afeminado y exageradamente vanidoso, obsesionado con apartarse el flequillo de la cara.
Este reino de masculinidad hiperfrágil está gobernado, al igual que la versión de la RSC de Melly Still en 2016, por un Cimbelino femenino (Lucy Peacock). Cuando Iachimo emerge del baúl en el dormitorio de Innogen, no hay exactamente la sensación habitual de amenaza, sino más bien la impresión de un hombre que reconoce intermitentemente su culpa y su indignidad en presencia de tanta pureza. Todo esto da vida a la revelación posterior de Innogen: “Veo que la vida de un hombre es tediosa”.
Enfrentándose al tedio en el mismo escenario se encuentra la superlativa Hedda Gabler de Sara Topham en la producción de Molly Atkinson de la versión de Patrick Marber vista por primera vez en el National Theatre de Londres en 2016. El montaje de Ivo van Hove había clavado ramos de flores y salpicado jugo de tomate en un elegante espacio de exposición moderno, pero la petición del director belga a Marber fue que escribiera un guion que funcionara igual de bien si se presentara como una obra de época. Eso es exactamente lo que hace Atkinson en una producción ferozmente enfocada que revela lo bien que Marber ha destilado el drama claustrofóbico de Ibsen y capturado la comedia negra de la obra.
“Es encantador verte tan temprano”, dice Hedda a la tía de su nuevo esposo Tesman en su visita matutina, y después de esta entrada Topham dice mucho con solo arquear una ceja o estrechar un ojo en una actuación finamente detallada que pone de relieve la inteligencia de Hedda. Tesman de Gordon S. Miller es más sonrosado que rancio, incluso hace una voltereta y un zapateado en un momento dado.
No importan las pistolas, cada uno de los objetos, el sombrero exagerado de la tía, el ponche, el manuscrito precioso, son usados como armas contra los demás personajes por Hedda. La versión de Marber despeja las largas direcciones escénicas de Ibsen sobre la sala de estar, dejando un piano, fuego, sofá y flores. Pero la producción de Atkinson, bellamente diseñada por Lorenzo Savoini, incluso elimina el instrumento, que escuchamos siendo tocado en su lugar. Cada acto concluye con la nota elegante de un thriller, acentuado por la iluminación de Kaileigh Krysztofiak.
Superlativo … Sara Topham como Hedda, a la derecha, con Tom McCamus como el juez Brack en Hedda Gabler. Fotografía: David Hou
Las producciones del festival suelen tener un tema general anual y el de este año se toma de Coriolano: “un mundo en otro lugar”. Para Hedda, la noción tiene implicaciones trágicas, pero en el tradicional espectáculo infantil del festival es una oportunidad para la fantasía llevada al máximo y la escenografía. Wendy and Peter Pan de Ella Hickson, vista por primera vez en la RSC en 2013, recibe una producción transportadora de Thomas Morgan Jones en el teatro Avon.
La principal alteración de Hickson a la historia original tiene un paralelo en la infancia de JM Barrie. Cuando tenía seis años, su hermano mayor David murió en un accidente y Barrie consideraba a David congelado en el tiempo, un niño que no crecería, como la mayor creación del novelista. Hickson les da a los hermanos Darling otro hermano, Tom, que muere en una escena temprana y es llevado a Nunca Jamás por Peter. Wendy se culpa injustamente y la aventura de los niños se alimenta de una búsqueda muy personal de reunión con su propio niño perdido.
Eleva las apuestas emocionales para una aventura de capa y espada con atuendos panto fantásticos: Tinker Bell de Nestor Lozano Jr. con un disfraz que parece un regalo de Navidad, Peter de Jake Runeckles cuyo cabello titila como llamas, y Laura Condlln (nuevamente en excelente forma) como Hook, abucheada diligentemente antes de decir una línea. “Puedo verlos ahí afuera”, gruñe al público bullicioso, que incluye a niños de la escuela local Anne Hathaway. Pero Condlln puede silenciar a todos como la maestra más estricta al poner un dedo en su boca, y su Hook es sorprendentemente consciente de sí mismo, ofreciendo ideas sobre su propia historia y nunca reduciéndose a un villano de cartón. Más tarde, todos traemos de vuelta a Tink a la vida con una ronda de aplausos, ¿qué tal eso para darle agencia a un público joven?
La respuesta cacofónica de los niños de la escuela se iguala con la multitud del viernes por la noche de La jaula de las locas en