Reseña de Romeo + Julieta: la reinvención maximalista de Broadway va demasiado lejos | Broadway

Al igual que los dolores del romance o la atracción del melodrama, la angustia adolescente demuestra ser atemporal. Sam Gold, el director de una nueva versión de Romeo + Julieta en Broadway, lo sabe: la producción, una versión admirablemente diversa, cómodamente queer y agresivamente zillennial con música original del maestro del pop Jack Antonoff, se sumerge profundamente en la impulsividad caliente y definitivamente adolescente del texto. Pero parece no confiar en ello. Romeo + Julieta, estilizada después de la película de 1996 de Baz Luhrmann con la que comparte un ethos ultramoderno y lujurioso, parece desde el principio ansiosa por asegurar a los jóvenes de hoy que los adolescentes enloquecidos de Verona eran igual que ellos: estresados, presionados y desbordantes de sentimientos, como lo cuenta un galán de Netflix (Kit Connor de Heartstopper) y una heroína de Spielberg (Rachel Zegler de West Side Story), ambos en sus debuts en Broadway.

Recién salido de su aclamada versión de la primavera de Enemigo del Pueblo de Henrik Ibsen, Gold ha regresado al Teatro Circle in the Square, esta vez estilizado enérgicamente como una mezcla entre una sala recreativa cursi (llena de osos de peluche) y una rave de Brooklyn. Mientras los espectadores toman sus asientos, el elenco, vestido en algún punto entre el diagrama de Venn de Bushwick (corpiños, pantalones anchos, crop tops) y el drama de instituto de Netflix (pijama de tiburón, iluminación intensamente bisexual), deambula por el escenario adecuadamente suelto: la ronda, las escaleras, las vigas. (Diseño escénico del colectivo recientemente prolífico puntos, diseño de vestuario de Enver Chakartash.) Se frotan, se tocan, vapean, acarician con los movimientos hambrientos y flexibles de la juventud, los enredos de extremidades de una fiesta en el sótano.

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El efecto de Shakespeare, pero dándole un toque, puede resultar fascinante, como cuando Gabby Beans, como el actor que interpreta a Mercucio, el fraile y el príncipe, presenta a los demás actores a través de un micrófono de mano y aclamaciones al estilo hypebeast, todo movimientos entrecortados y bravuconadas. Con mayor frecuencia, resulta molesto, como un profesor de teatro excesivamente entusiasta esforzándose por interesar a los jóvenes igualmente entusiastas en los clásicos por cualquier medio necesario, ya sea erotismo descarado, Doc Martens, un par de canciones pop originales de Antonoff, o la presencia chocante del fenómeno de beber en exceso de TikTok conocido como un Borg (Blackout Rage Gallon).

En contraste con la interpretación excesivamente sombría y minimalista protagonizada por el también británico Tom Holland en el West End este verano, Romeo + Julieta de Gold, al igual que la de Luhrmann, se inclina hacia el maximalismo: brillo, ritmos de sintetizador palpitantes, luces estroboscópicas, todos los personajes gritando frecuentemente o, al menos, siempre en movimiento. Algunas decisiones parecen temerarias, rebelmente poco serias, como una ruptura de la cuarta pared para cantar We Are Young de la antigua banda de Antonoff, Fun, por el destacado cómico Gïan Pérez, quien interpreta a Samson, Paris y Peter.

La producción en su mayoría convencional (con consultas textuales de los académicos de Shakespeare Michael Sexton y Ayanna Thompson) se esfuerza, y a veces lo logra, en exprimir el humor y la lujuria que existen en este cuento de desgracias: los frecuentes roces (dirección de movimiento de Sonya Tayeh, con violencia coordinada por Drew Leary) siempre rozando la línea de lo erótico (y a veces cediendo al puro excitamiento); los actores (con la excepción de Connor y Zegler) interpretando múltiples roles, con una frecuente falta de claridad y una fluida modernidad de género refrescante. Cuando el Romeo esculpido y engañoso de Connor se inclina hacia el balcón de Julieta (una cama gemela minimalista y colgante), él hace una dominada para besarla. Silbidos.

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Es todo, como uno puede imaginar, bastante, a la vez desarmante y confuso. Y se mantiene unido, en la medida en que lo hace, por las actuaciones notables de sus amantes condenados. La frágil, dócil Zegler, que se dio a conocer como una ingenua engañosamente firme en el West Side Story de Spielberg, se tropieza con el pentámetro yambo pero conserva una chispa interna resplandeciente, cada vez más urgente, especialmente cuando rechaza a sus padres (interpretados ambos con deleite por Sola Fadiran).

Connor, que sobresalió en la sensibilidad vacilante de Heartstopper, interpreta a Romeo con afabilidad chulesca, más músculos calientes y sangre ardiente que cerebro subdesarrollado. Es el único miembro del elenco que demostró un entendimiento natural del complicado ritmo de Shakespeare; me relajaba palpablemente cada vez que comenzaba a hablar, ya que el diálogo suena mucho mejor en su boca: intencionado, cargado, en un lugar nunca obtuso. Para todos los demás, la entrega de líneas fue irregular: un chiste aquí, una pulla allá, y muchas frases desechables para pasar por actuaciones que eran igualmente ritmo, pisoteo, pavoneo y habla, especialmente en el caso de la enfermera/Tebaldo de Tommy Dorfman y el exagerado Mercucio de Beans, hablando en un tono bajo y desagradable que distraía.

Aunque, para ser justos, la intensa sobreactuación puede ser por el bien de la audiencia, para quienes Shakespeare sigue siendo un desafío denso y abrumador (“¡Tengo tantas matemáticas esta noche!”, dijo una chica detrás de mí cuando salía). En esta obra sobre adolescentes, ahora vigorosamente presentada para adolescentes, Borg o no Borg puede ser una pregunta pertinente, y si sirve como una entrada a una toma genuinamente refrescante de la a menudo citada escena del balcón, entonces que así sea.

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