El arte tiene una relación muy inconstante con la política – pregúntale a un artista si quiere hacer una declaración política y es probable que se ponga a la defensiva. Sin embargo, si miras debajo de la superficie de cualquier pieza interesante, casi con certeza encontrarás conexiones definidas con estructuras sociales más amplias y conversaciones que de hecho son muy, muy políticas.
Al examinar las ofertas de Art Basel Miami Beach esta semana, se encuentra mucho arte que es político de esta manera precisamente – no tanto en la punta del iceberg, sino mucho en la inspiración intelectual y artística que subyace. Toma, por ejemplo, la hermosa máscara floral de bronce exhibida por la artista de medios mixtos Allison Janae Hamilton – al principio parece ser una impresionante pieza de flores superpuestas, pero al profundizar en los orígenes de esta pieza, surge una historia diferente.
En una entrevista, Hamilton dijo que la serie de la que proviene esta pieza se originó con máscaras de esgrima usadas por soldados negros durante la Segunda Guerra Mundial. Las piezas provienen de un proyecto más grande en el que Hamilton visualiza un continuo vertical entre materiales terrenales como el bronce y lo etéreo y ascendente, colocándolos en un complejo y cíclico conjunto de interrelaciones. Es parte de crear su propio discurso de feminismo negro.
Allison Janae Hamilton – Máscara Floral en Bronce, 2024. Fotografía: Cortesía de Marianne Boesky Gallery, Nueva York y Aspen
“Mi experiencia de la niñez y la feminidad negra siempre estuvo y sigue estando realmente arraigada en la tierra”, dijo. “No es algo que siempre se piense en primer lugar en nuestro discurso de feminismo negro. Para mí es el núcleo debido a cómo crecí con mi familia en Tennessee.”
La tierra y los orígenes son importantes para Hamilton, y para ella exhibir arte en Florida no es un acto neutral. Una floridana de toda la vida que se ha trasplantado a la ciudad de Nueva York, es consciente de la necesidad de representar su Florida – un lugar muy diferente del que emerge en las noticias nacionales. “Como floridana, estoy muy orgullosa de ser de mi estado. Intento presentar a Florida de una manera muy diferente a cómo se habla políticamente. Creo que hay casi un borrado de la vida negra en Florida, y estoy desafiando la narrativa de aquellos que viven allí.”
El artista coreano-americano Ken Gun Min también desafía las narrativas percibidas con su arte. Viéndose a sí mismo como un narrador y un tamizador del material de los entornos urbanos, integra en sus elaboradas creaciones materiales que recoge de tiendas de segunda mano, ventas de propiedades, las calles, vecinos y amigos. Las obras resultantes no necesariamente reflejan sus humildes orígenes, ya que las escenas de Min irradian esperanza, fantasía y una belleza barroca, incluso cuando también contienen sentimientos como la melancolía y una reserva cautelosa.
La intrincada contribución de Min se centra en un elaborado biombo y una enorme pintura situada en un rincón de su espacio de exposición, ambas representando paisajes imaginarios densos que podrían ser denominados “fantasía queer”. Otro de sus trabajos, un retrato de una mujer transgénero aferrándose al pecho en medio de árboles azotados por el viento, mareas tumultuosas y un cielo impresionante, aporta elementos de lo heroico y lo mítico. Es uno de una serie de pinturas de personas trans, inspiradas en parte por sus paseos por el barrio de West Lake en su ciudad natal de Los Ángeles, donde conocería posibles sujetos. “Al hacer la serie de obras basadas en West Lake, reuní las historias de muchas personas diferentes, mientras también reunía mis materiales. Creo que la historia y la persona van primero – trato de encontrar la conexión con esa persona y dónde estoy, y tejo esas cosas en mi creación. Y luego lo envío al mundo.”
Obra de Ken Gun Min. Fotografía: Imagen cortesía del artista y Nazarian / Curcio
Para Min, lo político de su arte es simplemente centrar a las personas LGBTQ+ que él representa, así como crear desde su posición como hombre gay asiático-americano. “Los hombres asiáticos gays están situados en un espacio muy único en el mundo occidental”, me dijo. “Nuestra masculinidad siempre es cuestionada, y a lo largo de la historia del arte occidental, hemos estado fuera de la imagen durante mucho tiempo. Como hombre gay asiático que trabaja en el mundo del arte, realmente quiero empujar los límites de la concepción de la belleza.”
La pintora Ebun Sodipo fue muy clara sobre lo que la inspira a crear: “Poder hablar de mí misma y de otras mujeres trans negras es probablemente lo que me impulsa a hacer este trabajo”, dijo. Este año, Sodipo está exhibiendo una serie de collages construidos a partir de un archivo personal de imágenes de Tumblr. Cubre estos collages con mylar, un material brillante y lustroso; los reflejos parciales que el público puede ver de sí mismos al ver su trabajo van al grano, al igual que las connotaciones del material con el agua. “Las superficies brillantes nos recuerdan al agua, de una manera instintiva”, me dijo. “Hacen que este impulso salga de nosotros, una necesidad de supervivencia, de saciar una sed, una que ha estado contigo durante más tiempo del que has conocido. Lo relacionaba con la transición, con cosas que tirarían de mi cuerpo en una dirección.”
Ebun Sodipo – Confort Engendrado por Sangre, 2024. Fotografía: Cortesía del artista y Soft Opening, Londres
Sodipo adopta un enfoque muy claro sobre el impacto político que su trabajo podría tener en un lugar como Art Basel, señalando que las mujeres trans negras – las personas para las que más crea – probablemente no encontrarían el trabajo en un espacio como ese. “No quiero exagerar, se está exhibiendo en un mundo insular. Lo ven personas que no se ven particularmente afectadas por la política anti-trans. Quiero que el trabajo sea visto por mujeres trans negras.”
También explicó que sus esperanzas como artista eran crear no tanto para el momento político inmediato – donde señaló que cosas materiales básicas como la ayuda mutua para personas trans vulnerables son una necesidad mucho más apremiante – sino para agregar al registro histórico las voces de personas como ella. “Mi objetivo es agregar otra página a lo que consideramos historia negra. No va a hacer mucho para abordar las realidades políticas actuales, pero estoy pensando en el largo plazo.”
A primera vista, la obra de Sanford Biggers parece estar completamente separada de la política. Sus piezas de arte modeladas en azulejos y colchas tienen un sentido de precisión formal y abstracción, aparentemente divorciadas de cualquier representación. Biggers se sintió atraído por su estética de patchwork porque encontró que el patchwork es una forma básica y altamente mutable – esencialmente un poderoso mapa de cómo perseguir una variedad diversa de proyectos artísticos diferentes. Se ha basado en la historia de los textiles, en particular en las colchas negras, para sus piezas aquí.
Sanford Biggers – Sin Título, 2024. Fotografía: cortesía de Marianne Boesky Gallery, Nueva York y Aspen
A Biggers le gusta que sus obras requieran interpretación, y que estén abiertas a diversas formas de ser vistas. Para él, esto es un activo, ya que necesariamente lo obliga a dejar de lado cualquier narrativa particular que rodee su trabajo, dotándolo en cambio de significados tan múltiples como sus audiencias. “El arte siempre ha estado codificado”, me dijo. “Es interesante porque no hay una respuesta específica, o un resultado que todos supuestamente deben obtener. Eso es una de las cosas que el arte puede hacer que no todo puede hacer. Hace décadas que renuncié a la idea de que puedo controlar la narrativa, y abracé la idea de que mi trabajo es multivalente. Todos aportan a la idea sus experiencias con mi arte.”
Este método tiene un ángulo político, ya que Biggers lo ve como reflejo de la naturaleza múltiple de la identidad en un mundo donde podemos tener varios avatares en las redes sociales, y también en el que podemos actuar de manera muy diferente en varios contextos de “la vida real”. “Es como un patchwork de nuestras experiencias virtuales vividas”, me dijo. “Somos personas diferentes de un día para otro, de un mes a otro, de una década a otra.”
Biggers también argumentó que su trabajo estaba en conversación con narrativas históricas más amplias que se desarrollan a lo largo de vastos períodos de tiempo, incluso planteando su trabajo como objetos potenciales para futuras etnografías. “Soy este colaborador en la etapa tardía con obras de más de 150 años”, me dijo, en referencia a las colchas negras de la era prebélica de las que se inspira para sus propias creaciones. “Siento que estoy llegando a esta etapa transgeneracional de la historia. Los textiles y las telas son los palimpsestos de la historia, nos atraen hacia la historia del comercio, el capitalismo, el colonialismo, y mucho más.”
Bonnie Lucas – Arruinado, 1986. Fotografía: Cortesía del artista y ILY2, Portland
Ahora en sus 70 años, la artista Bonnie Lucas se ve a sí misma como alguien que ha seguido su propio camino artístico durante 50 años. Breve miembro del colectivo de arte feminista desafiante Guerrilla Girls, se encontró a sí misma sin encajar en su estética – o en ninguna estética en particular en absoluto. Según ella, siempre ha creado arte basado en el amor por cosas muy femeninas, lo que la ha puesto al margen del mundo del arte de Nueva York. Recuerda haber sido burlada en una inauguración de arte por atreverse a llevar un bonito vestido floral, y otra vez la reprendieron por declarar: “Creo monstruos femeninos”.
Lucas revela otro lado del arte político, el del artista outsider cuyo desinterés en participar en tendencias o discursos favorecidos – o simplemente optar por no participar en el sexista mundo del arte de los años 70 y 80 – es una declaración en sí misma. Este año, su puesto es simplemente un testimonio de su resistencia creativa, mostrando trabajos de todas las décadas de su producción artística. “Estoy consternada y molesta por las formas en que las mujeres han sido excluidas del mundo del arte”, me dijo. “Mi arte trata de contar historias desde mi propio punto de vista. Mi trabajo no es en alabanza de las mujeres, sino sobre estar vivo como una niña.”