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Bob Dylan – Rough and Rowdy Ways (2020)
Por un tiempo, parecía que Dylan podría estar instalándose en la suave corriente abajo del American Songbook y los estándares pop, lanzando tres álbumes de covers en la década de 2010. Luego, en 2020, desató esta obra maestra. Peculiar, poético y en gran medida preocupado por el propósito del arte, sus 10 pistas parecían no solo canciones originales sino pensamientos sorprendentemente originales. El sencillo principal del álbum fue Murder Most Foul, que duró 16 minutos y 54 segundos, contó con la participación de Fiona Apple y Blake Mills, y consideró el asesinato de JFK en el contexto más amplio de la historia política y cultural de EE. UU. Fue audaz y maravilloso.
Ninguna de las otras pistas del álbum tocó tal magnitud, pero mantuvieron la complejidad y precisión líricas, y referencias frecuentes a otras obras, desde Warren Zevon hasta Walt Whitman, pasando por Charlie Poole, Mary Shelley y el antiguo poeta romano Juvenal. Abrazaron el folk acústico, el blues eléctrico y una voz que parecía estar compuesta de alquitrán y resina, percebes y decoloración por el sol; el sonido, tal vez, del tiempo mismo. LB
The Rolling Stones – Blue & Lonesome (2016)
Es tentador nominar a Undercover de 1983 como el gran álbum de los Stones de sus últimos años, no perfecto, pero experimental y comprometido. Y aunque artísticamente claramente es un álbum tardío de los Stones, cronológicamente proviene del primer tercio de su carrera. ¿Eso lo convierte ahora en un álbum temprano de los Stones? En su lugar, prueba con Blue and Lonesome, el raro álbum de los Stones desde Some Girls que merece la afirmación a menudo repetida de ser “su mejor desde Some Girls”.
Blue and Lonesome fue el álbum de regreso a sus raíces, 12 viejos números de blues, grabados en tres días en Londres, con mínimos adornos. Es crudo, vibrante y emocionante, un álbum que suena como músicos tocando para ellos mismos en lugar de intentar hacer un disco para tener una excusa para hacer una gira nuevamente. La interpretación de armónica de Mick Jagger en todo el álbum es fantástica, y todo el conjunto sirve como un epitafio adecuado para Charlie Watts, cuya batería le da a Blue and Lonesome su ritmo. MH
Aretha Franklin – A Rose Is Still a Rose (1998)
El hip-hop no es un género que asociarías inmediatamente con Aretha Franklin. Para 1998, la diva de 56 años había lanzado más de 30 álbumes, definiendo el sonido del soul, R&B y gospel del siglo XX. Pero antes de que llegara el nuevo milenio, decidió cambiar a una dirección inesperada y emocionante. El 34º álbum de Franklin, A Rose Is Still a Rose, es una reinvención en la etapa tardía de su carrera con la participación de los productores de hip-hop Jermaine Dupri y Daryl Simmons, así como la vocalista Lauryn Hill, explorando ritmos boom bap, R&B sensual y himnos que hacen referencia a Mariah Carey en sus 11 pistas.
Entre los aspectos destacados se incluyen las cuerdas orquestales expansivas y los tambores programados contundentes de la pista de apertura, una muestra del éxito de Carey de 1995 en Here We Go Again, y el funk impulsado por el bajo de Watch My Back. La voz de Franklin está en una forma típicamente vibrante, elevándose sin problemas sobre las producciones contemporáneas y demostrando su tono atemporal. AK
Willie Nelson – God’s Problem Child (2017)
La edad no ha frenado a Willie Nelson a lo largo del siglo XXI y continúa lanzando álbumes a un ritmo rápido. Dicho esto, tienden a ser homenajes a cantantes favoritos (o duetos) – agradables pero prescindibles.
Pero God’s Problem Child, lanzado para coincidir con su cumpleaños número 84, encontró a Willie elevando su nivel al centrarse en la mortalidad. Las siete canciones originales de Nelson aquí son en su mayoría celebraciones de una vida bien vivida: en Still Not Dead se ríe de los informes de su muerte, It Gets Easier es un himno a los placeres simples que el envejecimiento permite, mientras que Delete and Fast Forward es un rechazo enérgico de la victoria reciente de Donald Trump. He Won’t Ever Be Gone es un conmovedor tributo a Merle Haggard (el cantante de country que murió en 2016), mientras que la canción del título es una meditación empapada de blues sobre una vida defectuosa pero bendecida. A lo largo de este álbum excepcional, Nelson canta con una gracia exquisita. GC
Donna Summer – Another Place and Time (1989)
Su príncipe con tupé era Rick Astley, su princesa brillante claramente Kylie, pero el imperio de finales de los años 80 de Stock Aitken Waterman necesitaba una reina. Entra Donna Summer. Another Place and Time surgió después de que el esposo de Summer, Bruce Sudano, se encontrara por casualidad con Pete Waterman en Los Ángeles; Sudano pensó que los británicos podrían agregar emoción comercial a la carrera de su esposa, que estaba en declive después de su apogeo disco de los años 70.
Los sintetizadores crujientes y tambores metálicos de la casa de producción datan estas 10 pistas, pero la brillante voz de Summer las transporta a un lugar seductor. Ella clava la ternura de las power ballads en la pista principal, el cambio de drama a éxtasis en Love’s About to Change My Heart, y pulimenta el brillo balear de Breakaway. También potencia el ya excelente sencillo This Time I Know It’s for Real, su primer éxito entre los cinco primeros en el Reino Unido desde No More Tears (Enough Is Enough) con Barbra Streisand, lanzado una década antes. JR
Stevie Wonder – Jungle Fever (1991)
Fotografía: David Lichtneker/Alamy
Stevie Wonder mostró poco interés en competir con su inigualable racha caliente de los años 70 durante la década que siguió, centrándose en actividades extracurriculares como hacer del Día de Martin Luther King una fiesta nacional y aplazar los pocos álbumes que entregó. Pero tal vez la fecha límite no negociable de componer la banda sonora del romance interracial de Spike Lee enfocó su mente, ya que resultó ser su álbum más sólido desde Hotter Than July de 1980.
La inquietante I Go Sailing volvió a conjurar la exquisita melancolía de Fulfillingness’ First Finale de 1974, mientras que el juguetón If She Breaks Your Heart era el clásico Motown vestido con tecnología modernista, y Queen in the Black era un acto lujurioso y bailable de adoración. Y el robusto y agitado future-funk de At Each Other’s Throat y la pista principal se mantuvieron fácilmente en su lugar contra el reinante new jack swing de Jam & Lewis y otros, el viejo maestro recordando a los jóvenes pretendientes que inventó este juego y lo jugó mejor. SC
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The Fall – The Real New Fall LP (Formerly Country on the Click) (2003)
Después de que su período imperial de los años 80 diera paso a una década disoluta en los años 90, los observadores de The Fall temían que la época de maestría avant-garage de Mark E Smith estuviera llegando a su fin. Pero como dice Smith aquí con desdén, “solo los humanos llevan su pasado a cuestas”. Smith nunca fue un hombre nostálgico; pocos personajes musicales han igualado su capacidad de regeneración. Aun así, entendía los fundamentos y al principio, esto es lo que escuchas: el golpe cro-magnon de Mountain Energei es una reafirmación de intención.
Pero a partir de ahí, el álbum se amplía y se vuelve más salvaje en alcance. Hay epopeyas cósmico-punk, desvíos melancólicos de estilo folk y experimentos de sonido traviesos. Hay disecciones líricas de todo, desde hooligans de fútbol envejecidos hasta la dinámica interna de los Beach Boys. Y hay una sensación de no solo un artista sino de toda una metodología renaciendo en un disco que es más divertido, más inteligente, más desagradable y más singular de lo que, 25 años en la carrera de The Fall, tendría derecho a ser. PH
Bruce Springsteen – Magic (2007)
El mejor álbum de Springsteen del siglo XXI fue políticamente comprometido: su tríptico de la pista principal, Last to Die y Long Walk Home delineaban su desesperación por la América nutrida por la presidencia de George W. Bush, y su esperanza de que, a pesar de la tarea por delante, el país pudiera sanar. Lo que suena un poco ingenuo ahora, pero no lo fue cuando la perspectiva de una nueva presidencia se cernía sobre los Estados Unidos.
Pero también hay una sensibilidad pop fantástica en juego. Magic comienza con uno de los himnos de Springsteen al poder redentor de la música, Radio Nowhere, y lo sigue con el homenaje a The Byrds You’ll Be Comin’ Down, luego el surco de R&B de Livin’ in the Future. Incluso la potencialmente dudosa Girls in Their Summer Clothes se percibe más como nostálgica y celebratoria que lasciva. No es una obra maestra – nadie debería comenzar aquí – pero es un disco de placeres y recordatorios. MH
Iron Maiden – A Matter of Life and Death (2006)
Fotografía: Alamy
Una de las bandas de metal más grandes de la década de 1980, Iron Maiden ha logrado un hecho notable en el siglo XXI. Reiniciada por el regreso del cantante Bruce Dickinson y el guitarrista Adrian Smith en 1999, han disfrutado de una segunda etapa de años gloriosos, gracias en parte a la alta calidad consistente de sus álbumes de estudio. A Matter of Life and Death es la joya de la corona: una colección oscura, intrincada y progresiva de canciones, cuyas historias sobre los horrores de la guerra resonaron de inmediato con la vasta base de fans de Maiden.
Maiden lo interpretó en su totalidad en la gira que siguió, un movimiento raro y arriesgado para un nuevo álbum de estudio, y salieron airosos. Desde la brevedad al estilo de Thin Lizzy de Different World y el conmovedor These Colours Don’t Run hasta la grandeza épica y laberíntica de The Legacy, el decimocuarto álbum de estudio de Maiden merece ser considerado como uno de los mejores. DL
Joni Mitchell – Shine (2007)
Cinco años después de abandonar la industria musical, y casi una década desde su última colección de material nuevo, Joni Mitchell regresó con uno de los álbumes más cautivadores de su carrera. Su terreno era el de la disensión urgente: canciones sobre la guerra de Irak, la administración Bush y la perdición ecológica se unieron a pistas inspiradas en una obra de Tennessee Williams y un poema de Rudyard Kipling, y una nueva versión de Big Yellow Taxi. Estaban respaldadas por sintetizadores, pedal steel, saxofón; un entorno musical de jazz suave que podría haber resultado cursi, de no ser tan intrincado e intrigante.
La voz de Mitchell había adquirido más belleza con la edad, la perfección de capullo apretado de sus primeros años cediendo paso a una exquisita defloración. Se decía que a Mitchell le complacía este cambio, y casi se puede escuchar el placer tranquilo mientras canta. Dio como resultado un álbum de inmensa compostura; quieto y constante, canciones de protesta llevadas con un porte elegante. LB
Fela Kuti – Beasts of No Nation (1989)
El pionero del Afrobeat Fela Kuti es mejor conocido por su serie de discos políticamente firmes lanzados en la década de 1970, arremetiendo contra el gobierno corrupto de Nigeria sobre ritmos de batería sincopados y fanfarrias de trompeta. Mientras que los años 70 de Kuti estuvieron impulsados por una fuerza creativa aparentemente interminable, durante los años 80 su producción comenzó a perder su enfoque debido a enredos políticos y una temporada en prisión. Sin embargo, antes de que terminara la década, Kuti tenía un último destello en él, Beasts of No Nation de 1989.
Dirigiendo su ira hacia el gobierno del apartheid de Sudáfrica (con una portada de álbum que presenta a Margaret Thatcher y Ronald Reagan como chupasangres con cuernos de diablo), las dos largas pistas del álbum presentan a Kuti en forma enérgica. La pista principal comienza con un ritmo de medio tiempo que ondula debajo de las letras apasionadas de Kuti contra los g