Roe Moore es una directora, productora y supervisora de guiones dinámica centrada en la comedia con base en Los Ángeles, California. Nacida y criada en Aurora, Colorado, la pasión de Roe por contar historias se encendió temprano, inspirándola a asistir al Conservatorio de Second City, donde perfeccionó sus habilidades en improvisación y comedia de sketches. Luego pasó a realizar stand-up en lugares icónicos como The Comedy Store, Laugh Factory y Ice House. Influenciada por los estilos cómicos de Edgar Wright y Adam McKay e inspirada por películas como “Love Actually” y “Anchorman”, Roe quería ir más allá del stand-up y llevar su voz única al panorama de la comedia a través de la escritura y la dirección.
Su carrera en el entretenimiento comenzó como asistente de dirección y supervisora de guiones, bajo la tutela del veterano Mark Thomas, en proyectos de alto perfil, incluyendo la Reunión de El Príncipe del Rap de Bel-Air de HBO Max, RuPaul’s Drag Race de VH1 y Earth to Ned de Disney+. Sus créditos de supervisión de guiones se extienden también a programas como Lucha Underground y Andi Mack, así como a largometrajes como Rust Creek y Madness in the Method.
La destreza directiva de Roe ha sido reconocida en varios festivales de cine, ganando múltiples nominaciones y premios por sus cortometrajes cómicos. Entre sus trabajos destacados se encuentra “How We Met”, que recibió el premio a “Mejor Directora” en el Festival de Cine de Mujeres de Nashville y “Mejor Guion” en el Festival de Cine de Rompedoras de Techos de Cristal. Además, su proyecto “We Were Young” ganó “Mejor Cortometraje” en el Festival de Cine del Colectivo Black Magic, y “Drive to Airport” obtuvo varios premios, incluido “Mejor Cortometraje de Comedia” en el Festival de Cine de Show Low.
Su proyecto de 2024 “Undercover Wrestler” muestra a un luchador vigilante repartiendo justicia al estilo de la WWE por unas papas fritas robadas. Fue nominado en varios festivales, incluido el Festival Internacional de Cine de Pasadena y el Festival de Cine de Austin After Dark.
Más allá de su trabajo creativo, Roe está profundamente comprometida con la defensa dentro de la industria. Es una participante activa en Future Women of TV del Black Magic Collective, la Alliance of Women Directors y Women In Media. En 2023, participó en el programa Get It Made del Centerframe U.K. y se desempeñó como mentora en la iniciativa de Diversidad e Inclusión del Sindicato de Productores de América.
Mirando hacia el futuro, los objetivos profesionales de Roe incluyen dirigir su primer largometraje o piloto independiente y establecer a PiePie Productions como un referente en el género de la comedia. Sus próximos proyectos incluyen “Uncle” y “Walkies” (ambos en preproducción) y “Hardly Easlie” y “Death By Chocolate” (ambos actualmente en desarrollo).
Con un compromiso apasionado con la narración de historias que resuena con el público en todas partes, está en condiciones de tener un impacto duradero en la industria. Roe equilibra sus búsquedas profesionales con una vibrante vida personal. Una ávida corredora de medio maratón y apasionada repostera, disfruta pasar su tiempo libre con su perro salchicha, Happy, y su corgi, Seager.
Crédito de la foto: Claudia Hoag
“We Were Young” se estrenó en el Festival de Cine del Colectivo Blackmagic. ¿Puedes compartir la inspiración detrás de esta película y qué esperas que el público obtenga de ella?
La inspiración para “We Were Young” surgió de una reunión con mi amiga y la escritora/actriz de la película, Johny Walsh. Estábamos hablando sobre los sentimientos universales de nostalgia y la naturaleza agridulce del amor perdido en la juventud; especialmente el tipo que permanece contigo mucho tiempo después de que haya terminado y el chico aparece años después actuando como si nada hubiera cambiado. A medida que hablábamos más sobre la idea, nos dimos cuenta de que no había muchas historias que capturaran la lucha de decir “Basta” y alejarse de algo que ya no te sirve. Desafié a Johny a escribirlo, prometiendo producir y dirigir, ¡y afortunadamente, ambos cumplimos!
Al hacer esta película, salí de mi género de comedia hacia el drama. Fue un desafío que fue inesperadamente gratificante y vino con una curva de aprendizaje. Este cambio me obligó a repensar cómo abordo la narración de historias. Tuve que depender menos del timing cómico y más de sutilezas como el tono y la interpretación para evocar emociones.
Con esta película, esperamos que el público reflexione sobre sus propias experiencias con el amor y la pérdida, y en última instancia, encuentren empoderamiento al dejar ir relaciones que no eran adecuadas para ellos.
Como directora centrada en la comedia, ¿cómo abordas el equilibrio entre el humor y la narración? ¿Hay ciertos temas o mensajes que buscas transmitir a través de la comedia?
Me gusta pensar en el humor como una forma de descubrir la verdad. Ya sea algo desconocido o tan familiar que lo evitamos, la comedia derriba barreras y ofrece perspectivas frescas. Como directora de comedia, baso el humor en experiencias relatables, permitiendo que el público se involucre con temas más pesados de una manera que se sienta accesible.
Mi trabajo a menudo explora el desorden de las relaciones: cómo nos conectamos, qué sucede cuando esas conexiones son puestas a prueba y el caos que sigue cuando se pierden. Las relaciones son una mina de oro para la comedia porque son tan universales y a menudo ridículas.
Por ejemplo, mi cortometraje “Breakfast Salad” utiliza un estilo de falso documental para explorar rarezas cotidianas, mezclando momentos guionados e improvisados para crear una intimidad juguetona con el público. Mientras tanto, “We Were Young” equilibra el humor con peso emocional a través de interpretaciones sutiles y una narración fundamentada, abordando temas de amor y pérdida sin abrumar al espectador.
A lo largo de todos mis proyectos, mi objetivo es explorar la absurdidad y la belleza de las relaciones, utilizando el humor para ayudar a la gente a reír, reflexionar y verse un poco a sí mismos en las historias.
Tu carrera comenzó como asistente de dirección y supervisora de guiones en proyectos de alto perfil como “RuPaul’s Drag Race” y “Earth to Ned”. ¿Cómo han dado forma esas experiencias a tu estilo de dirección y enfoque en la producción?
Mucho. Trabajar en producciones de alto perfil moldeó quién soy como directora de innumerables maneras. Fortaleció mi resistencia mental y me enseñó a ser un líder positivo y firme bajo presión. Tuve la oportunidad de ver a algunos de los mejores en el negocio trabajar, aprendiendo no solo de sus éxitos, sino también de sus errores, lo que me ayudó a entender cómo prepararme mejor para cualquier proyecto.
También aprendí a manejar todo tipo de equipos, adaptarme rápidamente cuando las cosas no salían según lo planeado y mantener todo funcionando sin interrumpir la creatividad de los actores o el equipo. Me dio un verdadero aprecio por la colaboración y me mostró cuánta magia puede suceder cuando permites espacio para la espontaneidad. Esas lecciones han sido invaluables y continúan dando forma a cómo abordo cada proyecto que dirijo.
Has citado a Edgar Wright y Adam McKay como influencias. ¿Qué aspectos de su trabajo intentas incorporar en tus propias películas y cómo aportas tu perspectiva única al género de la comedia?
Admiro el ingenio visual de Edgar Wright; algo que estoy estudiando muy de cerca. La capacidad de Adam McKay para señalar los momentos cómicos en la cultura de manera memorable es algo que admiro. Para ambas de estas influencias, quiero emular cómo señalan las rarezas de la vida. Pude captar más la intención de Adam McKay en mi cortometraje “Breakfast Salad” al resaltar las creencias neuróticas del personaje sobre no tener desayuno para la ensalada y el caos que se produce cuando chocan las personalidades.
Tu cortometraje “How We Met” ganó premios a la Mejor Directora y al Mejor Guion. ¿Cómo fue el viaje desde el concepto hasta la pantalla y qué aprendiste al crear esa película?
“How We Met” comenzó como parte de los Equipos Digitales de Gold Comedy, una plataforma para que mujeres y personas de género no conforme colaboren y fortalezcan sus habilidades cómicas. Dentro de mi equipo, Leigh Ceistro propuso la idea, y juntas le dimos vida a través de la colaboración.
De muchas maneras, esto se sintió como suerte de principiante, pero también me enseñó mucho. Aprendí lo importante que es estar preparado al trabajar con un cinematógrafo, utilizando referencias para descubrir el estilo visual, y cómo trabajar con actores para sacar esos momentos cómicos perfectos. Una de las lecciones más importantes fue darme cuenta de cuánto se conecta el público con la especificidad. Los pequeños detalles marcaron una gran diferencia en cómo resonaba la historia.
A través de PIEPIE Productions, estás construyendo una marca en torno a la comedia. ¿Cuáles son algunos de tus objetivos a largo plazo para la empresa y cómo ves que contribuye al panorama de la comedia?
Mi plan a largo plazo con PiePie Productions es construir un centro donde la comedia prospere, se sienta fresca, inclusiva y sin miedo a abordar temas más profundos de formas inesperadas. Mientras nos hemos enfocado en contenido de corta duración para establecer nuestra marca y calidad, los próximos pasos incluyen largometrajes y series de televisión. Ahí es donde realmente podemos crear contenido para un público más amplio.
La comedia puede ser un género muy colaborativo. ¿Cómo trabajas con actores y equipo para crear un ambiente que fomente la improvisación y el timing cómico?
Crear un ambiente alegre donde el fracaso no solo es aceptado sino abrazado es esencial. Cuando los actores y el equipo se sienten seguros de correr riesgos, es cuando surge el mejor trabajo. Me gusta empezar dejando que los actores exploren la escena por su cuenta, encontrando sus propios ritmos y emociones. A partir de ahí, se convierte en una colaboración para profundizar y descubrir tanto oro como sea posible. Incluso una vez que las cámaras están rodando, hay tanto potencial en accidentes felices y momentos no planeados. He aprendido a adoptar una mentalidad en la que todos buscan hacer su mejor trabajo, por lo que no es mi lugar juzgar su trabajo. Se trata de lo que funciona mejor para la situación.
Tu proyecto “Undercover Wrestler” tiene una premisa única sobre un luchador vigilante. ¿Cómo se te ocurrió esta idea y cuál fue el mayor desafío para llevarla a la vida?
Dando crédito donde se debe: Joseph Dailey (escritor/actor) tuvo la idea durante una clase de escritura de sketches a la que asistía. Rinde homenaje a su experiencia y la de su papá viendo la WWE cuando crecía. Me enamoré de ella por mi propia adoración al concepto salvaje y la delicia de ejecutar una película llena de acrobacias. Trabajar con mi amiga y coordinadora de acrobacias Anne Westcott me obligó a pensar visualmente en cómo las acrobacias podían servir a la historia y a la comedia. Por ejemplo, coreografiamos una acrobacia para exagerar la ridiculez de la persona del luchador manteniéndola fundamentada en el viaje del personaje.
Como miembro de organizaciones como la Alliance of Women Directors y Women in Media, estás involucrada en la defensa de la diversidad en la industria. ¿Cómo ves tu papel en impulsar el cambio y por qué es importante este trabajo para ti?
La industria ha necesitado un cambio durante mucho tiempo, y finalmente estamos viendo progreso con más voces diversas tanto en pantalla como detrás de la cámara. Esta transformación ha provocado un auge en perspectivas frescas y nuevas historias, algo que priorizo activamente en mis propias producciones.
Para mí, la diversidad no se trata solo de representación en términos de antecedentes, también se trata de reunir una variedad de experiencias. Siento una fuerte responsabilidad de encarnar el cambio que quiero ver en la industria. Ya sea que esté contratando equipo o elenco, siempre me centro en crear un ambiente donde diferentes voces puedan prosperar y compartir sus perspectivas únicas. Es refrescante ver a un equipo de diversos orígenes trabajar juntos para llevar una historia hacia adelante.
Este trabajo es personal para mí porque sé que no estaría donde estoy hoy si otros antes que yo no hubieran allanado el camino. Es mi responsabilidad no solo mantener ese camino abierto sino ampliarlo para otros que vienen después.
¿Puedes contarnos sobre algunos proyectos próximos, como “Uncle” y “Walkies”, y cómo continúan tu enfoque en la comedia y la narración?
Ambos proyectos tienen su propio sentido único del humor y me empujan creativamente porque se inclinan hacia mi segundo tipo favorito de comedia: ¡el humor británico! Crecí viendo programas como “Are You Being Served?” y “Mr. Bean”, por lo que estar asociada con los escritores de estos proyectos a través de la iniciativa Get It Made del centro de producción con sede en el Reino Unido, Centerframe, se siente como cerrar un círculo.
“Uncle” es particularmente oportuno, ya que explora a una pareja de lesbianas que navegan por el descubrimiento de su hijo adolescente sobre su donante de esperma a través de una serie de eventos cómicos. Es una comedia rápida, centrada en el diálogo, inspirada en el ingenio y el ritmo del trabajo de Amy Sherman-Palladino. La historia está llena de corazón y humor, y estoy emocionada de dar vida a sus vibrantes personajes.
“Walkies” toma un enfoque diferente: llevando el humor y el encanto para explorar la salud mental de una manera que se centra en cómo manejamos y vivimos con nuestros desafíos en lugar de la ilusión de “sanar” de ellos. A partir de mi propia experiencia con la depresión y la ansiedad, sé que estos problemas no desaparecen simplemente. Aprendemos a adaptarnos, encontrar mecanismos de afrontamiento y depender del apoyo. Esta película aborda de manera ligera estos temas a menudo estigmatizados, ofreciendo al público la oportunidad de verse a sí mismos y su resistencia bajo una luz más positiva. La historia también cuenta con un animal de apoyo emocional robótico, y nos hemos asociado con TomBot para mostrar cómo estos dispositivos pueden ser una maravillosa alternativa para personas que no pueden tener una mascota real debido a alergias u otras limitaciones. Es un elemento único y edificante de la historia que enfatiza encontrar soluciones a los desafíos de la salud mental de formas inesperadas.
Tanto “Uncle” como “Walkies” reflejan mi pasión por usar la comedia para explorar temas más profundos, ofreciendo ligereza mientras fomentan la conexión emocional. Estos proyectos son un testimonio del poder del humor para acercarnos al corazón de una historia y ayudarnos a vernos a nosotros mismos de formas nuevas y esperanzadoras.
¿Qué consejo le darías a las mujeres y otros grupos subrepresentados que quieren incursionar en la dirección o la comedia?
Deja de esperar permiso. Nunca hay un momento “correcto” para comenzar, ¿por qué no ahora? Si no hubiera avanzado a toda velocidad con las películas que he hecho hasta ahora, no habría adquirido las habilidades, la experiencia y el crecimiento que tengo hoy. Todavía estoy aprendiendo con cada proyecto.
Una vez que hayas comenzado, concéntrate en dominar donde estás, ya sea haciendo cortometrajes, creando contenido en redes sociales o asumiendo tus propios desafíos creativos. No dejes que el miedo a lo que otros puedan pensar te detenga, y sintoniza a los aguafiestas. Tu trabajo en los primeros días es descubrir quién eres como artista, qué te hace reír y cómo quieres contar tus historias. La única forma de hacerlo es empezar a crear y seguir avanzando.
Fuera del cine, eres una corredora y repostera ávida. ¿Cómo influyen o equilibran estos pasatiempos tu vida creativa, y alguna vez inspiran tu trabajo de formas inesperadas?
Descubrí correr tarde en la vida, y ha sido un salvavidas. Me ayuda a despejar la mente y mantenerme enfocada, pero también me ha enseñado lecciones importantes sobre la autodisciplina y tomar las cosas paso a paso, o milla a milla.