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Cuando Paul McCartney fue acompañado en el escenario en Londres por Ringo Starr para el concierto final de su gira Got Back la semana pasada, fácilmente se deslizaron en canciones, incluyendo “Helter Skelter” y “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”. Han tenido tiempo de practicar: han pasado 64 años desde que comenzaron a tocar como The Beatles con John Lennon y George Harrison.
McCartney tiene 82 años, más de cuatro veces la edad del entonces joven de 18 años. Sin embargo, los miembros restantes de The Beatles siguen tocando, mucho después de la muerte de Harrison y Lennon. Formaron la mitad del acto musical más vendido de todos los tiempos y el que arrebató el rock and roll de sus raíces americanas para liberar el moderno negocio de la música británica.
Este último también sigue siendo fuerte, dejando en vergüenza a otras industrias nacionales que han disminuido desde la década de 1960. El crecimiento de las exportaciones de música grabada del Reino Unido se desaceleró el año pasado pero aún alcanzó un nivel récord y se estima que la industria contribuyó con £7.6bn a la economía en 2023. Cantantes como Adele y Ed Sheeran han seguido el camino de The Beatles hacia la fama global.
Hay mucha competencia, con bandas surcoreanas como Stray Kids que se han vuelto exitosas a nivel mundial, pero las ventajas distintivas de la música británica se han transmitido de generación en generación, desde The Beatles hasta Arctic Monkeys, Dua Lipa y Lewis Capaldi. Al terminar el año, vale la pena reflexionar sobre este logro.
El idioma inglés siempre ayudó, por supuesto. El hecho de que The Beatles escribieran y cantaran canciones en inglés no solo les ayudó a invadir los EE. UU., sino que fue parte del marketing. Habría sido más difícil encantar a la audiencia en el Ed Sullivan Show en 1964 si hubieran necesitado un traductor.
Pero detrás del idioma estaba la creatividad. El rock and roll era estadounidense pero The Beatles y las bandas que siguieron tomaron el género y le dieron un toque británico. Lennon y McCartney conocían bien las formas y convenciones musicales, al igual que los Rolling Stones con el blues. Añadieron una juguetona y aguda inglesa.
La distancia también fue útil. Ian Leslie, autor de John and Paul, una próxima biografía de Lennon y McCartney, argumenta que su devoción simultánea y distanciamiento de los EE. UU. les permitió libertad creativa. “Tomaron la música americana y se la vendieron a los americanos… Les encantaba invertirla, cambiarla, desordenarla”, dice.
Vienen de una tradición de juegos de palabras y humor que se remonta a Shakespeare. También fue un producto de la educación, especialmente las escuelas de arte por las que pasaron muchos compositores, desde Lennon hasta Syd Barrett de Pink Floyd, David Bowie y Joe Strummer de The Clash. Adele y Amy Winehouse asistieron a la Brit School respaldada por la industria de artes escénicas en Croydon.
La industria musical del Reino Unido se benefició entonces de un efecto de aglomeración: una vez que quedó claro que un cuarteto excepcionalmente brillante de trabajadores de clase trabajadora de Liverpool podía llegar al escenario mundial, otros naturalmente aspiraron a seguir. Una vez que se formó un conjunto sostenible de intérpretes que conformaban el núcleo de la industria, el Reino Unido se convirtió en un clúster musical.
Ese clúster fue ayudado por la inmigración de posguerra. El ska se originó en Jamaica pero fue revivido por bandas como The Specials en la década de 1970, mientras que el grime, un amalgama londinense de varias formas, ha producido artistas como Stormzy. La inmigración también es un elemento importante del renacimiento del jazz británico y ha contribuido a mantener el saludable grado de movilidad social de la industria.
La música del Reino Unido tiene desafíos hoy en día. Las carreras de los principales artistas musicales tienen una notable longevidad en la era de las giras globales y las residencias prolongadas, como la temporada de Adele en Las Vegas que terminó en noviembre. Pero McCartney está envejeciendo y también lo están los Stones y Elton John, cuya gira de despedida recaudó $939mn. El Reino Unido tiene un gran catálogo, pero debe seguir renovándolo.
La competencia global es intensa. Taylor Swift de Estados Unidos es la artista con mayores ingresos del mundo y ninguna banda del Reino Unido figuró en el top 10 de 2023 compilado por el grupo comercial IFPI. La nueva invasión musical ha llegado desde Corea del Sur, con Seventeen, Stray Kids, Tomorrow X Together y NewJeans en esa lista. Hay otras dificultades, incluidas las barreras posteriores al Brexit para las giras europeas.
Pero el Reino Unido sigue siendo el tercer mercado musical más grande del mundo y el hecho de que otros compitan efectivamente por la atención de los fans (más ahora en sus propios idiomas) no es una prueba de fracaso. Simplemente significa que han aprendido lo que se puede lograr. The Beatles y otros demostraron que la música no era una distracción de la escuela de arte: era un negocio global.
Gran Bretaña todavía tiene ese espíritu de creatividad e invención musical, aunque su futuro económico es menos claro que a principios de la década de 1960. Si el gobierno valora este activo creativo y ayuda a que prospere, la banda seguirá tocando.
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