Bien, vamos a dejar esto claro: sí, The Brutalist es larga. Muy larga. Larguísima. Lo cual es lo que uno esperaría de un relato que abarca décadas sobre el encuentro brutal de un arquitecto sobreviviente del Holocausto con el sueño americano. Aun así, parece que ese tiempo de ejecución de tres horas y media ha sido presentado como la Exhibición A en el caso contra la película de Brady Corbet; que es demasiado grandiosa, demasiado ambiciosa, demasiado llena de sí misma. ¡Tiene un intervalo, por amor de Dios! ¿Quién se cree este tal Corbet?
Lo cual parece extraño, porque mucho de lo que la película ha sido criticada suele ser visto como un activo. Para bien o para mal, los hitos del cine estadounidense, desde Ciudadano Kane hasta El Padrino y más allá, tienden a ser películas grandes y musculosas que creen tener algo profundo que decir sobre el país de su realización. Y The Brutalist ciertamente tiene cosas que decir, sin importar cómo te sientas acerca de cómo las dice: sobre el arte y el mecenazgo, la relación de EE.UU. con Europa y el constante torbellino del capitalismo. Con tantas ideas importantes para incluir, ese tiempo de ejecución comienza a verse, si acaso, un poco tacaño.
Que se haya podido hacer una película tan ambiciosa es aún más impresionante. Estamos en una era de retirada para el cine independiente, cuando muchas películas no logran llegar nunca a la gran pantalla, en lugar de eso van directamente a plataformas de streaming y se pierden en la maraña de “contenido”, en un momento en que los horizontes se han reducido, junto con los presupuestos. El propio presupuesto de The Brutalist es pequeño también en comparación con los estándares modernos, de menos de $10 millones. Pero dentro de esas restricciones, Corbet y su equipo lograron construir una épica estadounidense intransigente, y de alguna manera lograron obtener beneficios. Se necesitó un buen sacrificio: Corbet y su pareja, la guionista de la película Mona Fastvold, han tenido que ajustarse (“cambiando el champán por vino espumoso”, como él lo expresa), y el director afirma no haber ganado ni un centavo de su última película. Pero ese es el costo de hacer algo completamente a tu manera, de una pura terquedad creativa.
Es una característica que, como muchos han notado, comparte el personaje central de la película, el arquitecto húngaro ficticio László Tóth, interpretado brillantemente por Adrien Brody. Formado en la Bauhaus, Tóth se ha labrado un nombre en Europa con sus construcciones austeras y de líneas limpias, pero su sustento – y mucho más – ha sido perturbado por el ascenso de Hitler. Separado de su esposa y sobrina, ha sobrevivido al Holocausto, pero llega a EE.UU. sin reputación ni dinero, aunque sigue sintiendo la misma picadura del antisemitismo que experimentó en Europa. Pronto, Tóth cae en la órbita del industrialista de mandíbula rígida Harrison Lee Van Buren, interpretado por Guy Pearce, cuyo rudo hijo Harry (Joe Alwyn) lo ha reclutado para renovar la biblioteca de su padre como una sorpresa mientras está fuera por negocios. Al principio, Van Buren odia la dramática actualización de Tóth, con su enfoque en la luz y el espacio, pero la atención de la comunidad arquitectónica finalmente lo convence de su brillantez. Este ciclo de adulación y rechazo entre mecenas y cliente se repetirá a lo largo de la película, a veces de manera violenta.
Pronto, Van Buren ha encargado a Tóth un proyecto más grande: un vasto centro comunitario en honor a su difunta madre. Su construcción abarcará décadas, obstaculizada por las cambiantes fortunas financieras de su mecenas, así como por el propio perfeccionismo inflexible de Tóth (después de todo, solo el mejor mármol toscano servirá). Complicando aún más las cosas está la llegada en la segunda mitad de la película de su esposa, Erzsébet (Felicity Jones), ferozmente protectora de su esposo y con los ojos bien abiertos sobre la persona con la que se ha involucrado.
Es esa segunda mitad – y una escena particularmente impactante que desenmascara por completo la relación entre Tóth y Van Buren – lo que más ha dividido a los críticos. Ciertamente, el gran momento animador de The Brutalist no es sutil, pero gestos sutiles realmente no le irían bien a la película. Todo en ella, al igual que el movimiento del que toma su nombre, está diseñado para imponer, desde la cinematografía sobria y de ángulos anchos de Lol Crawley hasta la banda sonora implacable y abrasiva de Daniel Blumberg. Pero esta también es una película que pretende mantener tu atención una vez que la captura, con una trama directa y un ritmo impulsivo. Ayudado por el intervalo, tan criticado pero al final refrescante para el paladar, ese tiempo de ejecución de tres horas y media pasa volando.
Ayuda que las interpretaciones sean tan buenas como lo son. Este es un impresionante regreso al protagonismo masculino para Brody, cuya carrera parecía haberse reducido a la de un actor secundario estelar – apareciendo de manera entretenida en Succession o en las películas de Wes Anderson, pero rara vez recibía algo en lo que realmente hincarle el diente. Ese ciertamente no es el caso aquí: Tóth es tanto una figura de inmensa simpatía como a veces realmente antipático – terco, resentido, malhumorado – y Brody es capaz de resaltar sus aristas afiladas. Igualmente impresionante es la actuación de Pearce como Van Buren, un personaje que fácilmente podría caer en la caricatura de voz potente y aristocrática. Pero su Van Buren también alberga un complejo de inferioridad del demonio, hacia el esteta europeo que ha llegado a su vida, uno que intenta superar con dinero y con el carácter forzado americano.
Esa tensión se siente oportuna mientras tanto EE.UU. como Europa reevalúan su relación mutua. Es una de las muchas razones por las que, a pesar de su ambientación en la época, The Brutalist se siente actual. Esta es una película que busca asombrarte hasta someterte con sus imágenes e ideas gigantes. Cuando se trata de la mejor película de este año, la Academia debería pensar en grande.