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Hemos alcanzado el punto intermedio de 2024, lo que significa que es un buen momento para reflexionar sobre algunos de los mejores álbumes del año hasta ahora. En cuanto a la música pop se refiere, ya hemos tenido lanzamientos importantes de Beyoncé, Taylor Swift y Ariana Grande, pero es BRAT de Charli XCX, aún fresco tras su lanzamiento, el que ha capturado el espíritu del tiempo. En el mundo de la música indie, Cindy Lee se convirtió en una sensación underground, favoritos del blog-rock como Vampire Weekend y MGMT entregaron material desgarrador hasta la fecha, y The Last Dinner Party logró estar a la altura del hype. Mientras tanto, Adrianne Lenker, Waxahatchee y Jessica Pratt lanzaron algunos de los discos de cantautores más conmovedores que hemos escuchado esta década. Echa un vistazo a nuestra lista en orden alfabético de los 30 mejores álbumes de 2024 hasta ahora a continuación.
Adrianne Lenker, Bright Future
“Miramos al mundo una vez, en la infancia”, escribió Louise Glück en su poema ‘Nostos’. “El resto es memoria”. La cita me viene a la mente cada vez que escucho el nuevo álbum de Adrianne Lenker, Bright Future, que podría, como su título sugiere, estar mirando hacia el futuro, pero se permite el tesoro de recordar, la libertad de detenerse en recuerdos que se desvanecen y se endurecen con el paso de los años. Lenker, cantante principal de Big Thief y una de las compositoras más aclamadas de hoy en día, grabó su nuevo álbum en un estudio escondido en el bosque con el colaborador frecuente Philip Weinrobe y amigos como Nick Hakim, Mat Davidson y Josefin Runsteen. Quizás Lenker, en estas circunstancias afortunadas, no tiene motivos para presentar su nuevo disco removiendo traumas pasados. Pero en estas circunstancias afortunadas, encuentra la claridad de sus sentidos despertada como lo estaban cuando corría por el bosque de niña. Lee la reseña completa.
Beth Gibbons, Lives Outgrown
En las últimas dos décadas, la producción discográfica de Beth Gibbons ha incluido el escalofriantemente inquietante álbum de regreso de Portishead en 2008, Third, una magnífica interpretación de la Sinfonía n.º 3 de Henryk Górecki, grabada con la Orquesta Sinfónica Nacional de la Radio de Polonia en 2019, y una memorable aparición en ‘Mother I Sober’ de Kendrick Lamar en 2022. En su propia escritura, Gibbons, ahora con 59 años, no desempaca el trauma intergeneracional de la manera en que Lamar lo hace en esa pista, pero su interpretación del estribillo logró encapsular perfectamente el anhelo enredado en su núcleo. Esos grandes nudos de tiempo atraviesan su música, también, por más inescrutables que sean, y más que simplemente sentirlos agudamente, Lives Outgrown es su oportunidad de dejarlos desplegarse. Sus meditaciones sombrías, ponderadas, escalofriantes y bellamente ejecutadas nunca se prolongan más de lo necesario, haciendo un uso brillante tanto del tiempo como del espacio. Lee la reseña completa.
Charli XCX, BRAT
Inicialmente, el lanzamiento de BRAT insinuaba un enfoque bastante centrado: un regreso a las raíces club de la cantante con la ayuda de colaboradores cercanos versados en su lenguaje, como A.G. Cook y EasyFun. En un entorno en vivo, las coqueteos mainstream de CRASH también significaron abrazar sus eras anteriores, mientras que BRAT se centra en el presente y solo está interesado en recontextualizar los éxitos antiguos que pueden encajar en su repertorio, la palabra “FIESTA” acechando detrás de ella. Pero aunque pueda ser un disco de fiesta, incluso un disco de club, Charli trata estos espacios con la misma sutileza que la cantante a la que se dice que se refiere ‘Girl, so confusing’. Tal vez sea demasiado fácil para un artista con la autoconciencia de Charli hacer un guiño a su lugar en el paisaje pop, gamificado como está. Pero ninguna de las referencias en BRAT se escanea totalmente como tal; incluso si se convierten en motivo de especulación, Charli se centra en la emoción, no en la persona o en el mundo al que pertenecen. Lee la reseña completa.
Chelsea Wolfe, She Reaches Out to She Reaches Out to She
El título del nuevo álbum de Chelsea Wolfe puede apuntar a la continuación de un ciclo infinito, pero también marca lo que la artista ha llamado un “renacimiento”. Aunque una vez más envuelta en una tormenta de ruido, efectos de sonido y electrónica, la música de Wolfe se percibe como una práctica meditativa en lugar de un esfuerzo por trazar un viaje enigmático y fantástico alrededor del yo. En lugar de otro restablecimiento de límites musicales o un simple retroceso a sonidos más pesados y lodosos, su objetivo es la reconciliación de “oscuridad y comodidad”, en sus palabras, avanzando hacia la luz en los caminos convergentes de la auto-realización y el deshacerse. Ahora ha encontrado formas de separar la naturaleza sombría y gótica de su trabajo pasado de la perpetuidad del trabajo y la inquietud, lo que lleva a su álbum más espectralmente catártico y eufórico hasta la fecha. Lee la reseña completa.
Cindy Lee, Diamond Jubilee
En lo que respecta a la música indie y underground, Diamond Jubilee de Cindy Lee es la mayor historia de éxito de 2024. A pesar de no estar disponible en plataformas de streaming, el álbum ganó tracción a través del boca a boca y recibió la puntuación más alta de Pitchfork en cuatro años después de su lanzamiento. Entre los lanzamientos de alto perfil de Beyoncé y Taylor Swift, no podría ser más fácil apoyar a Cindy Lee, el alter ego escénico del compositor y guitarrista Patrick Flegel, que ha sacado varios discos bajo el seudónimo después de una etapa como líder de la banda de post-punk de los años 2000 Women. Pero cuando lo escuchas en tus auriculares, es el tipo de álbum que te hace compañía mientras miras por la ventana en un largo viaje, la expansión fantasmal de la música parece ser más grande que cualquier hype que la rodee: melancólica, impactante, brillantemente ejecutada y el único disco de 2024, aparte de Here in the Pitch de Jessica Pratt, que merece el término “hipnagógico”.
Crumb, AMAMA
El tercer álbum de Crumb, AMAMA, es tan hipnótico y desconcertante como el material anterior de la banda de Nueva York, pero anhela mantener los pies en la tierra. La cantante y multiinstrumentista Lila Ramani, el tecladista y saxofonista Bri Aronow, el bajista Jesse Brotter y el baterista Jonathan Gilad siguen siendo experimentadores errantes, y el nuevo disco, producido en Los Ángeles junto a Johnscott Sanford y Jonathan Rado de Foxygen, afina esa cualidad al encerrarse inquietamente en un ritmo y desviarse juguetonamente de él. Pero, abstracto como todavía es, la composición de canciones de Ramani también es tiernamente introspectiva y emocional, hilando signos de su crianza con recuerdos de los primeros días de gira de la banda. Pero a través de estos viajes, más allá de lo que podríamos llamar razonablemente carril de memoria, Crumb despierta a una comprensión más sólida y presente de su hogar. Lee nuestra entrevista de inspiraciones con Crumb.
DIIV, Frog in Boiling Water
El nuevo álbum de DIIV, Frog in Boiling Water, toma su título de la “Rana Hirviendo” en la novela de 1996 de Daniel Quinn, The Story of B. La premisa es conocida y evidente: si arrojas una rana en una olla de agua hirviendo, saltará instintivamente; pero si la colocas en agua tibia y gradualmente aumentas la temperatura, se quedará adormecida en la comodidad y hervirá hasta la muerte. Los resultados no son ni completamente sombríos ni esperanzadores, y Frog es menos un álbum explícitamente político que uno políticamente orientado hacia afuera, siguiendo una serie de álbumes centrados en la adicción y la enfermedad mental. Por mucho que se enrarezca con ansiedad y desesperación existencial, el álbum es alternativamente inquietante, calmante, agrio y fascinante, una culminación del sonido singular de DIIV después de su intento de hacer un álbum de shoegaze “correcto” con Deceiver de 2019. Lee nuestra entrevista de inspiraciones con DIIV.
Ducks Ltd., Harm’s Way
En esencia, el atractivo o enfoque de Ducks Ltd. no ha cambiado demasiado: su marca de jangle-pop sigue siendo contagiosamente melódica, ingeniosamente poética y sorprendentemente existencial por lo ligera que suena. Pero con su segundo álbum, han encontrado formas sutiles de expandir y abrir su sonido ya seguro. En lugar de auto-grabar el LP, la banda fue a una nueva ciudad y colaboró con un productor externo, Dave Vettraino, quien ha trabajado en discos de músicos que contribuyeron a Harm’s Way, incluidos Macie Stewart y Jason Balla de Dehd. Por más fuertes y dinámicos que puedan ser los arreglos, la confianza recién descubierta solo afianza el rasgo más distintivo de la banda: atreverse a hacer canciones frenéticamente azucaradas y meticulosamente elaboradas sobre todo tipo de estructuras colapsantes. Lee nuestra entrevista de inspiraciones con Ducks Ltd.
Ekko Astral, pink balloons
Denominando su estilo – una mezcla intransigente de hardcore, noise punk y no-wave – música de “pista de baile de rímel”, la banda con sede en Washington, DC, su álbum debut, producido por Jeremy Snyder de Pure Adult, es a su vez galvanizador, ruidoso y inquieto, pero nunca totalmente desmoralizador – enfrentando un mundo de sufrimiento y desilusión no solo señalándolo, sino invocándolo incesantemente y subvirtiendo lo que se siente al habitarlo. Tan hiperreferenciales como son exactos, las letras de Jael Holzman son tan cautivadoras como la música que las impulsa hacia adelante. “Puedo verte moverte en tu asiento”, entona al principio, pero Ekko Astral se asegura de que sigas atado. Lee nuestra entrevista de Artista Destacado con Ekko Astral.
Erika de Casier, Still
El mundo de Erika de Casier se siente naturalmente acogedor. Hasta ahora, la producción de la artista portuguesa-danesa ha estado marcada por una rica interioridad; toma en serio la idea de la música pop de dormitorio, iluminando el espacio donde comúnmente se consume y se crea la música pop, ya sea de forma casual o con pasión feroz. Sensuales, texturizadas y elegantes como suelen ser sus canciones, también muestra un sentido del humor juguetón que elevó su segundo esfuerzo, Sensational de 2021, cuyo título continuó el desparpajo irónico de su debut, Essentials, mientras encontraba nuevas formas de irradiar confianza de manera sutil. Al final del álbum, el viaje de de Casier se siente sutilmente desafiante; da la bienvenida al oyente prometiendo “muchas diversión”, y luego muestra más facetas de sí misma de lo que los nuevos o antiguos fans podrían esperar. Lee la reseña completa.
Friko, Where we’ve been, Where we go from here
Producido en conjunto por Scott Tallarida, con producción adicional de Jack Henry, y masterizado por Heba Kadry, el primer álbum completo de Friko es una expresión conmovedora y dinámica de su sonido, equilibrando fugas emocionantes con momentos de contemplación soñadora. Con contribuciones de Sofia Jensen de Free Range y Macie Stewart de Finom, el álbum se caracteriza por una energía comunal que lo anima justo cuando las canciones se desvían hacia la abstracción ruidosa, melancólica. “Reiré, llorarás / Nuestro mundo dentro de una canción”, canta Kapetan en ‘Until I’m With You’, su voz casi quebrándose. La canción es solitaria, anhelante, pero se compromete – como el álbum en su conjunto – a enmarcar la música como una forma de comunión en sí misma. Lee nuestra entrevista de Artista Destacado.
glass beach, plastic death
el primer álbum de glass beach fue audazmente maximalista y sorprendentemente inventivo en la forma en que fusionaba y revitalizaba elementos de pop-punk, bedroom pop y art rock; el efecto era a veces juguetonamente caricaturesco, extraño, inquietante y hiperreal. Su tan esperado sucesor, plastic death, es igualmente ambicioso pero aún más deliberado e inmersivo – no solo al unir estilos dispares que van más allá de su identificación original como un grupo “post-emo”, sino también en la yuxtaposición de ganchos pegajosos y arreglos laberínticos, estructuras de canciones engañosamente simples y épicos polirrítmicos de varias partes. Emocional y temáticamente, también, el cambio de J. McClendon hacia la abstracción les permite examinar la relación entre la agresión y la ternura, la nostalgia que se convierte en manía, el yo a través de la sociedad, de una manera que no elude la realidad presente tanto como apunta violentamente hacia ella. Lee nuestra entrevista de tema por tema con glass beach.
Good Looks, Lived Here for a While
Tras el radiante álbum debut de Good Looks, Bummer Year, Lived Here for a While es un álbum auspicioso y astutamente triunfal que destaca la interacción dinámica de la banda de Austin, incluso durante los momentos más contemplativos. Las canciones son, sin embargo, abiertas de corazón y épicas, centradas en sanar, ya sea lidiando con la disfunción familiar, el desamor o el país fracturado al que llaman hogar. Tyler Jordan es un compositor dolorosamente consciente, y sus compañeros de banda saben cómo conectarse con sus preocupaciones; juntos, superan. Lee nuestra entrevista de Artista Destacado.
Grandaddy, Blu Wav
Jason Lytle envuelve las canciones de su primer álbum de Grandaddy en siete años – muchas de ellas baladas o valses lentos – en toneladas de pedal steel (interpretadas por Max Hart), su dulzura equilibrada por electrónica desequilibrada, sobre una base de guitarras acústicas, piano y exuberantes armonías vocales. El sonido de Blu Wav se siente tanto antiguo como atemporal, si no futurista, y su calidez es casi tan omnipresente como la melancolía. Si un título de canción como ‘You’re Going to Be Fine and I’m Going to Hell’ hace que parezca que Lytle está tratando los ataques de desamor y depresión con una dosis de humor, no hay forma de equivocarse con la vulnerabilidad inquietante de canciones como ‘On a Train or Bus’ y ‘Ducky, Boris and Dart’. Es un viaje que vale la pena seguir, resumido en las primeras letras del primer sencillo, ‘Cabin in My Mind’: “Bueno, es un camino largo y solitario / Pero hay un brillo seguro y amoroso”. Lee nuestra entrevista de inspiraciones con Grandaddy.