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La transformación – Nightbitch
Photograph: AP
La transformación canina de Amy Adams en Nightbitch de Marielle Heller no debería ser algo que no hayamos visto antes. Hay una rica historia de metamorfosis a la luz de la luna en películas de hombres lobo: gemidos que se convierten en gruñidos, el estiramiento y torsión muscular, el brote de pelo a una velocidad vertiginosa. De hecho, algunas personas criticaron esta película por alejarse del horror corporal en el corazón del deterioro animal de la madre. Pero hay un poderoso aroma de catarsis en esta escena de transformación discreta: ver a Adams olfatear el aire de medianoche, cavar con las manos desnudas en su ordenado césped suburbano, a cuatro patas, totalmente perro en cuerpo y mente, antes de que el cabello comience a erizarse en sus antebrazos. La voz en off inquietantemente calmada de Adams (“Tengo un pensamiento: soy un animal”), sigue el pelaje ondulante mientras su personaje renace como un galopante husky rojo, con una nube de cabello rubio fresa sobre un cuerpo musculoso. Un perro de caza con una mente enfocada: “¡Sangre! ¡Sangre, sangre, sangre!” Y es el final para los gatos del vecindario. Pamela Hutchinson
El partido final – Challengers
Photograph: Christophel Collection/Alamy
Uno de los aspectos más difíciles de las películas de deportes es la dicotomía ganar/perder: ¿cómo se puede construir algo emocionante o inesperado sin forzar el resultado de un partido ficticio en una forma familiar? Challengers, la dramedia de tenis de Luca Guadagnino y Justin Kuritzkes, encuentra una manera, a pesar de que todo en la película conduce a un partido de tenis de desempate entre los antiguos mejores amigos Patrick Zweig (Josh O’Connor) y Art Donaldson (Mike Faist), con las implicaciones implícitas del corazón de la esposa de Art, Tashi Duncan (Zendaya), la mujer (y ex prodigio del tenis) que ambos aman. Cuando comienza el partido de desempate, Art acaba de enterarse, a través de un elegante recordatorio silencioso de antes en la película, de que Patrick y Tashi han dormido juntos recientemente. En otras palabras, es hora de actuar, y, como en el deporte, es difícil averiguar cómo cualquiera de las opciones binarias (o incluso una abdicación de ninguna de las anteriores) haría una resolución satisfactoria. Siempre un estilista inquieto, Guadagnino se vuelve más loco aquí al representar el frenético rally de los chicos, pasando de un disparo mareante desde el punto de vista de la pelota de tenis a un disparo aéreo de la cancha a una composición extravagante desde, de alguna manera, debajo de la cancha, haciendo que los jugadores parezcan estar caminando en el aire. Se acercan cada vez más a la red, hasta que finalmente se abrazan empapados de sudor. Tashi, que ha estado hipnotizada en cámara lenta en las gradas, suelta un grito instintivo, otro recordatorio de antes en la película, una expresión de éxtasis adrenalínico. Y eso es todo: en una secuencia simple pero intensa, casi sin diálogo, los cineastas han comunicado algo profundo sobre la pureza potencial del atletismo y la dicha desordenada del amor verdadero (y multidireccional). Es un acto de suprema confianza en que la película puede esperar hasta los últimos cinco minutos para pasar de muy buena a absolutamente genial. Jesse Hassenger
La llegada – Dune: Parte Dos
Photograph: Cortesía de Warner Bros Pictures/AP
Hay muchas buenas razones para ver una película en el cine: presenciar precisión en la pantalla grande, apoyar el cine independiente, disfrutar de la experiencia comunal de, por ejemplo, sorprenderse al unísono en cada giro en Conclave. Pero la principal entre ellas, al menos para mí, es la inmersión en el Espectáculo con mayúsculas. Ninguna película entregó una absorción cinematográfica pura este año como Dune: Parte Dos de Denis Villeneuve, que es tan hermosa, ambiciosa y extraña como la Parte Uno. Y ningún momento en la Parte Dos impacta tanto como la apertura del acto final, cuando un Paul Atreides corrompido llega al sietch de los Fremen para reclamar el poder. Hay muchas capas de espléndido espectáculo en juego aquí: 1) multitud 2) banda sonora escalofriante (Arrival de Hans Zimmer, cuya base subterránea recuerda al aterrador canto de garganta de los Sardaukar enfermos de la Parte Uno) 3) seriedad cómica al borde del límite 4) arrogante paso de poder de Timothée Chalamet 5) pose de poder del gigantesco gusano de arena. Cada una de las tres veces que vi la Parte Dos en el cine, sonreí a través de este crescendo de angustia adolescente del auteur como un niño demente con caramelos. El cerebro analítico dice: qué emoción, ver a Villeneuve pintar en el lienzo más grande posible, ver un blockbuster verdaderamente visionario. Pero es el cerebro del fanático del cine el que está al volante: ¡vamos, vamos, vamos! Adrian Horton
La persecución de la casa de Psycho – MaXXXine
Photograph: Everett Collection Inc/Alamy
La trilogía X de Ti West siempre ha sido una carta de amor a momentos importantes, grandes y pequeños, en la historia del cine de terror, y con la conclusión de la serie, MaXXXine, West lo lleva al máximo. Para empezar, hay una galería de referencias a películas como Halloween, The Texas Chain Saw Massacre, Psycho y muchas más (sin mencionar las dos primeras películas de la trilogía, X y Pearl, también). Además, la trama presenta a Mia Goth como Maxine, una estrella del porno que lucha por convertirse en reina del grito, ayudando a West a empapar su película en hitos cinematográficos como Hollywood Boulevard, la sala giratoria BonaVista en el hotel Westin Bonaventure, y por supuesto el set de Universal Studios, donde Maxine se encuentra con la espeluznante casa de Norman Bates. Es en una escena central donde es perseguida por su vida por un detective privado a través de una fachada de Universal tras otra, tomando finalmente refugio dentro de la residencia de Bates, que el enfoque cuidadosamente elaborado de MaXXXine para deconstruir y reconstruir la historia cinematográfica alcanza su punto culminante. Es un momento mareante de espejos que fusiona poéticamente la inmediatez de correr por tu vida con la artificialidad deliberada de toda la trilogía X de West, permitiendo que todo en los tres filmes extraordinarios de West se telescopen sin esfuerzo. Veronica Esposito
El agradecimiento – Un verdadero dolor
Photograph: Album/Alamy
Un verdadero dolor, la segunda película de Jesse Eisenberg, trata sobre dos primos de Nueva York, David (Eisenberg, tenso) y Benji (Kieran Culkin, encantador/molesto), que hacen un tour de herencia judía por Polonia. Es todo lo que siempre esperaste que Eisenberg produjera y más: inteligente y divertida, ligera y profunda, ágil y conmovedora. Es bastante a lo Woody Allen, un poco a lo Noah Baumbach y un toque de László Nemes. En entrevistas, Eisenberg ha dicho que cortó los mejores chistes de la edición final, ya que desequilibraban la película. La línea que ahora obtiene la mayor risa es una improvisación de Will Sharpe, quien interpreta a James, su guía turístico ligeramente parecido a Richard Ayoade. El día anterior, Benji reprendió bruscamente a James por hacer que el tour fuera insuficientemente emotivo o auténtico. Más tarde esa noche, Benji se comporta de manera espantosa en un restaurante; David se disculpa nuevamente por él y explica por qué podría ser así. Al día siguiente, van a hacer un tour por un campo de concentración y los primos se despiden del resto del grupo. James abraza a Benji y le agradece por su comentario honesto, por cambiar su perspectiva, reavivando su carrera. Luego, mientras se alejan, lanza a David – quien ha puesto tanto esfuerzo y empatía – el “Gracias, David” más insignificante imaginable. Es solo un pequeño detalle perfecto: revelador, impactante y muy, muy divertido. Me río cada vez que lo recuerdo. Catherine Shoard
Los acrónimos – Rebel Ridge
Photograph: Allyson Riggs/AP
En el trepidante thriller de acción Rebel Ridge de Jeremy Saulnier, hay una gran cantidad de ira ardiente. Surge del héroe atrapado en el sistema de Aaron Pierre y también de nosotros, no solo hacia aquellos que intentan destruirlo, sino a aquellos que intentan destruir la película en sí misma. Llegó a Netflix en septiembre con la más débil de las fanfarrias, una película perfectamente adecuada para una experiencia ruidosa y colectiva en la gran pantalla que se estrenó silenciosamente en tu iPhone. Uno de los muchos momentos que me hizo desear experimentarlo con una multitud ocurre durante un enfrentamiento en la comisaría de la pequeña ciudad, cuando Terry de Pierre educa al jefe de policía fabulosamente vil de Don Johnson sobre lo que significa Pace justo cuando su colega está descubriendo lo que significa MCMAP (“¡Creo que está en la página de Wikipedia!” entre las mejores líneas del año). Saulnier exprime hasta la última gota de tensión antes de ofrecer algo muy necesario, aunque breve, catarsis a medida que se desata un forcejeo creíble y astutamente coreografiado. Al igual que la película que la rodea, hay un equilibrio enormemente satisfactorio entre la inteligencia y la fuerza que simplemente no encontramos mucho en el cine de acción en estos días. Aplaudí desde el sofá. Benjamin Lee
La coda – El Brutalista
Photograph: AP
La coda de salto en el tiempo de El Brutalista se ofrece como una mancha de Rorschach: la hija adulta del arquitecto László, ahora enfermo, sube al escenario en una exposición en honor a su trabajo y explica que mientras el centro comunitario, su magnum opus, fue encargado como homenaje a la difunta madre de un industrialista goy, László convirtió secretamente el proyecto en un monumento a los horrores del Holocausto. Pero ¿la mención de la joven sionista a su hogar en Jerusalén sugiere que Israel es la última vindicación histórica para los judíos? ¿O esta escena, en la que ella dice “Hablo por ti ahora” a un hombre decrépito que se negó a equiparar el judaísmo con la identidad israelí en vida, está diciendo algo más sutil sobre quién reclama la custodia de la memoria del Holocausto? El escritor y director Brady Corbet ha mantenido sus labios sellados sobre sus propias inclinaciones, pero deja caer su última pista musical como una indicación de sus teorías sobre la apropiación y la ideología, dos temas clave que visitó por última vez en la traducción de Vox Lux de la música pop al terrorismo del cambio de milenio. El grupo de italo-disco La Bionda nos despide con un mantra tan animado como inquietante: “¡Uno para ti, uno para mí!” Charles Bramesco
La interrogación – Hit Man
Photograph: Netflix
Hay una escena de juego de roles en Hit Man. Bueno, en realidad, hay muchas escenas de juego de roles. La película noirish de comedia romántica de Richard Linklater (una cornucopia de géneros que produce éxtasis puro para los cinéfilos) trata sobre un profesor universitario interpretado por Glen Powell que se entusiasma con su nuevo trabajo de suplantar a un sicario para operaciones encubiertas de la policía. Las cosas se ponen realmente emocionantes para Gary de Powell cuando, aún en su personaje, se involucra con uno de sus objetivos: Madison de Adria Arjona, una femme fatale que quiere deshacerse de su marido. Tienen una aventura, donde el juego de roles se vuelve candente y complejo. Pero es el clímax lo que sella el trato. La policía está tras Madison. Gary, con un micrófono oculto, es asignado para enfrentarla. Y así lo hace, realizando una sorprendente escena de interrogatorio en la cocina, con detectives escuchando, mientras pasa notas a Madison, dirigiéndola sobre cómo actuar y reaccionar. A lo largo de todo, Powell y Arjona mantienen esa carga sexual entre sus personajes, sus ojos tiernos y coquetos mientras sus bocas hacen todo el picoteo y los gritos necesarios. Los dos actores increíblemente atractivos ofrecen actuaciones en múltiples niveles y tantas zonas erógenas, en una de las escenas más alegres y placenteras que el cine nos dio este año. Radheyan Simonpillai
La asistente – Martha
Photograph: Netflix
A lo largo de Martha de Netflix, el fascinante docu-biopic sobre la influencer por excelencia de Estados Unidos, Martha Stewart está firmemente en guardia, esquivando las preguntas penetrantes del director RJ Cutler para mantener a salvo sus sentimientos. Pero luego un rayo de claridad atraviesa tarde a través de imágenes de Stewart en casa en un intento desesperado por actuar de manera normal para otro grupo de documentalistas. En lugar de abordar el elefante en la cocina (su inminente sentencia de prisión federal por fraude), se enfoca en un empleado que corta una naranja con una cuchilla pequeña. “¿Por qué usarías un cuchillo pequeño para cortar una naranja grande?” exclama. “¡Usas un cuchillo grande para cortar naranjas, ¿vale? ¿Sabes lo rápido que corta un cuchillo grande?” Ella toma uno para terminar el trabajo, pero no antes de advertir a la tripulación de la cámara que no “graben eso”. Gracias a Dios que no escucharon. Podríamos nunca haber visto a Stewart viviendo realmente su verdad. Andrew Lawrence
El tornado de rodeo – Torbellinos
Photograph: Universal Pictures/AP
Es difícil elegir entre las varias excelentes escenas de tornado en Torbellinos, el reinicio liderado por Glen Powell de la película familiar de desastres de los 90 Twister. Para mí, tiene que ser aquella en la que la brillante pero traumatizada meteoróloga Kate de Daisy Edgar-Jones y Tyler de Powell, un cazador de tormentas/influencer chico malo que vende camisetas que dicen “No es mi primer tornadeo”, son arrastrados exactamente a eso – un tornado en un rodeo. Una escena de vinculación de Americana cursi entre los protagonistas románticos se vuelve interesante cuando las alertas de teléfonos comienzan a sonar y la gente se aferra a sus sombreros de diez galones mientras un tornado golpea el estadio. Está hecho con estilo: una noche de caos iluminado con neón y puntuado con golpes cómicos mientras un molesto huésped del motel se enfoca más en quejarse que en resguardarse y nuestros guapos expertos en tornados tienen que pensar rápido para salvar la vida