Demi Moore podría ser nominada por primera vez a un Oscar, cuatro décadas después de iniciar su carrera, por una sátira de terror corporal de 140 minutos que presenta literalmente galones de sangre falsa. Incluso si no logra llegar a las cinco finales del Oscar, el hecho de que The Substance se haya convertido en un importante contendiente a premios es una sorpresa encantadora.
Es decir, la temporada de premios no siempre es una marcha estancada a través del tradicionalismo predecible. Pero también es difícil evitar las rutinas que se establecen una vez que queda claro que, por ejemplo, Kieran Culkin va a ganar el mejor actor de reparto por A Real Pain. Y miren, él se lo merece. (Bueno, aparte de la cuestión de si el papel de apoyo en lo que a menudo parece ser un drama entre dos personajes realmente es un papel “de apoyo”). ¿Pero seguramente él no fue la única actuación valiosa en su categoría durante todo el año 2024?
No, por supuesto que no, porque cada año trae docenas de actuaciones extraordinarias, solo unas pocas de las cuales suelen ser seleccionadas para recibir una serie de premios, una y otra vez. Así que, en el espíritu de descubrimiento y redescubrimiento que informa a The Substance, aquí hay una docena de actuaciones, algunas de actores relativamente nuevos y muchas de rostros conocidos, que no han sido honradas por grandes organismos de premios o grupos de críticos, pero merecen estar en la conversación sobre las mejores actuaciones del año a medida que comienza la votación para los premios Oscar. Casi con certeza no serán nominados cuando se anuncien el 19 de enero. Pero si algunos votantes realmente echaran un vistazo más de cerca a estas actuaciones, tal vez lo harían.
Por supuesto, incluso los votantes a los premios solo pueden hacer tanto si una película no es elegible por parte de sus distribuidores. Técnicamente, no podemos decirle a los votantes de la Academia que voten por Aaron Pierre en Rebel Ridge, porque Netflix no se molestó en darle un estreno en cines que calificara para premios. Pero eso no justifica la ausencia de Pierre en muchos organismos de premios con reglas menos estrictas sobre estrenos en cines.
Joan Chen, Didi
Fotografía: Cortesía de Focus Features/Talking Fish Pictures/AP
Un claro caso de zumbido por premios que desaparece simplemente porque la película en cuestión no fue un gran éxito, Joan Chen hace un trabajo maravilloso (y en términos de tiempo en pantalla, realmente de apoyo) en Didi, una comedia dramática agridulce sobre el crecimiento de un niño de 13 años en California. Chen interpreta a su madre soltera de facto, Chungsing, cuyo esposo ha regresado a Taiwán para ayudar a mantener a la familia, y cuyo potencial como artista puede haber sido frustrado por sus responsabilidades familiares. Chen, que ha sido relativamente escasa en películas estadounidenses desde que hizo una serie de ellas en los años 90, ofrece una actuación perfectamente medida aquí, sugiriendo claramente la personalidad de Chungsing más allá del alcance de las luchas adolescentes de su hijo, al mismo tiempo que la presenta como ni santa ni estricta.
Juliette Gariépy, Red Rooms
Fotografía: Nemesis Films
¿Qué busca Kelly-Anne? Ella llega al juicio de un hombre acusado de crímenes atroces y lo observa en silencio. Eventualmente charla con Clémentine (Laurie Babin), otra observadora, que cree que el asesino es inocente. Kelly-Anne no traiciona el mismo nivel de certeza, y Red Rooms evoca una ambivalencia similar a medida que la audiencia comienza a desentrañar lo que ella está tramando: perturbador, pero imposible de apartar la mirada. Gariépy es una de las principales razones por las que esta estrategia es tan efectiva, interpretando las obsesiones del personaje con una dedicación inquebrantable y perturbadora que eventualmente sustituye a las nuestras propias fijaciones del mundo digital y el costo mental que pueden tener incluso cuando pensamos que estamos en control. Red Rooms es una película de terror que se presenta con la precisión de un procedimiento, y la actuación escalofriante de Gariépy finalmente habita ambos géneros a la vez.
Chris Hemsworth, Furiosa: A Mad Max Saga
Fotografía: BFA/Alamy
Chris Hemsworth ha interpretado y parodiado su papel como héroe de acción de tamaño Marvel, a veces dentro de la misma película de Thor. Pero nunca ha sido mejor sirviendo esos dos lados de su persona que en la precuela de Fury Road de George Miller, interpretando a Dementus, un señor de la guerra negligente que claramente también es el protagonista heroico de su propia historia delirante. Esa historia lo pone en curso de colisión con Furiosa (Anya Taylor-Joy), en busca de venganza por la muerte de su madre, y en la confrontación final de influencia occidental de la película, Hemsworth tiene la oportunidad de interpretar una impresionante cantidad de notas: bravuconería cómica, desesperación, tristeza, e incluso una forma de sabiduría cínica y post-apocalíptica. Antes de esta impresionante escena, Hemsworth se divierte evidentemente, pegándose una nariz falsa y cabalgando por el desierto con una capa roja manchada. Pero él es el raro villano prepotente y caricaturesco que se vuelve más fascinante incluso cuando su enemigo justo lo desmitifica.
Josh Hartnett, Trap
Fotografía: Cortesía de Warner Bros. Pictures/AP
A finales de los 90 y principios de los 2000 había una gran cantidad de próximas estrellas que no lograron destacar, y después de más de una década de trabajar en relativa oscuridad, parecía que Josh Hartnett era solo otro chico extremadamente guapo que no tenía exactamente las habilidades de un hombre principal. Es casi poético, entonces, que él solidificara su regreso en la década de 2020 interpretando a un padre torpe y bien intencionado, al menos en apariencia. Cooper de Hartnett parece que solo está llevando a su hija a un codiciado concierto de pop como recompensa por su excelente boleta de calificaciones; en realidad es un asesino en serie que se da cuenta de que el estadio es una operación encubierta, lista para atraparlo al final del espectáculo.
El resto de la película de M Night Shyamalan lleva la identificación del hombre equivocado al extremo al invitarnos a retorcernos junto a Cooper, con el giro incómodo de que él es absolutamente el hombre correcto. Los zigzags de Hartnett, desde bromas de papá hasta protección paternal sincera, pasando por la astucia de pánico hasta un monstruo genuinamente temible, son entretenidos y extrañamente convincentes, un gran truco oculto por su afabilidad inicial, justo como su personaje. Cooper tiene casi tantas facetas como la actuación justamente aclamada de James McAvoy en Split de Shyamalan, solo que sin el artificio que impulsa los cambios. Es un trabajo magistral de Hartnett, que resulta ser un hombre principal capaz (y maravillosamente no convencional) después de todo.
Adam Pearson, A Different Man
Fotografía: Everett Collection Inc/Alamy
Sebastian Stan ha recibido mucho crédito por la transformación necesaria para protagonizar un par de películas lanzadas semanas de diferencia, con roles principales dispares: un hombre deformado con un vacío en su centro, y también un tipo que sufre de neurofibromatosis. Adam Pearson, por otro lado, tiene neurofibromatosis en la vida real, y es demasiado genuinamente encantador para aparecer en The Apprentice a cualquier distancia del Donald Trump de Stan. En cambio, roba escenas en A Different Man, interpretando a Oswald, un hombre completamente cómodo en su propia piel, lo que complica y atormenta a Edward de Stan, quien se somete a un tratamiento experimental para deshacerse de los tumores que solían cubrir su rostro, solo para descubrir que quizás su odio hacia sí mismo va más allá de las apariencias físicas.
Según todos los informes, Pearson es igualmente afable en la vida real, por lo que podría parecer que está interpretándose a sí mismo aquí, pero su buen humor adquiere la cantidad justa de amenaza ambigua, con una presencia que permite a la audiencia ver tanto su calidez como la amenaza que acecha las inseguridades de Edward.
Aaron Pierre, Rebel Ridge
Fotografía: Allyson Riggs/Netflix
A Aaron Pierre le lleva solo unos cinco minutos, y relativamente pocas líneas, transmitir la determinación y la ira que se enroscan bajo la piel de Terry Richmond, un veterano de la Marina acosado por la policía de Luisiana en Rebel Ridge. En la apertura de la película, Terry es agredido, detenido y robado por un par de policías, todo bajo la apariencia de rutina, y el escritor y director Jeremy Saulnier solo necesita dirigir su cámara al rostro de Pierre para capturar la urgente gama de emociones de esta situación (que son aún más complicadas que la injusticia flagrante de los actos en sí). En otras palabras, su actuación física comienza mucho antes de que comience a repartir golpes, lo cual hace en esta variación no letal de la primera película de Rambo. De hecho, Pierre se convierte en un magnífico héroe de acción: rápido, grácil, poderoso, enormemente divertido de ver. Pero es especialmente gratificante porque incluso cuando Terry desata su destreza de luchador, Pierre se asegura de que haya un ser humano vivo, respirando y conflictivo debajo de esa furia justiciera. Es la fusión perfecta de carisma de estrella de cine y caracterización magistralmente detallada.
Aubrey Plaza, Megalopolis, y Margaret Qualley, Drive-Away Dolls
Fotografía: Cortesía de Lionsgate/AP
¿Cuándo se convierte la afectación en trascendencia? Tal vez haya una respuesta científica que involucre la velocidad de una screwball y el ángulo precisamente sesgado de un cineasta icónico, pero mejor, quizás, dejarla como un producto inefable de la magia de la estrella de cine, algo que Aubrey Plaza posee en abundancia, a pesar de tomar frecuentemente papeles de personajes excéntricos como Wow Platinum, la reportera de celebridades que se desliza por el futuro en ruinas de Francis Ford Coppola en Megalopolis. Sus ritmos extravagantes, mitad gatita sexual de los años 60 y mitad dama atrevida de los años 40, son indicativos de las vastas y excéntricas referencias de la historia del cine de Coppola, y ella ayuda a dirigir a Megalopolis hacia una loca montaña rusa, lejos del precipicio de la seriedad.
No hay peligro de seriedad en Drive-Away Dolls de Ethan Coen y Tricia Cooke, un riff/goof intencionalmente barato sobre películas de explotación; el truco de la actuación locuaz y con un acento extravagante de Margaret Qualley como una joven lesbiana perpetuamente cachonda es lo bien que coincide con la sensibilidad de los Coen, incluso cuando se filtra a través de un entorno de 1999. Ella recibió más atención como la ingenua profana creada por The Substance, pero Dolls le permite la dignidad agrietada de ser graciosa pero sinceramente sexy.
Tilda Swinton, Problemista
Fotografía: Jon Pack/A24
La a veces extravagante Swinton coprotagonizando una película cuyo director primerizo tiene una extensa experiencia en comedia de sketches suena como la receta para un alto campamento, o peor aún, un campamento aspiracional. En cambio, Elizabeth de Swinton, la figura marginal del mundo del arte que intenta preservar y exhibir la obra de su difunto esposo con la ayuda de su nuevo asistente Alejandro (Julio Torres, quien también escribió y dirigió), es escalofriantemente reconocible: una fuerza impaciente, cambiante de humor, errática de interrogación constante, aparentemente innecesaria. La clave es la forma en que la película llega, al menos parcialmente, a su manera de moverse por el mundo, exigente pero a veces efectiva. Swinton es lo suficientemente sutil y sin piedad para navegar por el viaje de Elizabeth desde cómica hasta villanesca, tragicómica y, finalmente, una extraña forma de grandeza familiar, sin cambiar nunca la esencia de su personalidad profundamente difícil.
Y Un Montón de Reinas del Grito
Nell Tiger Free en The First Omen. Fotografía: Colección Christophel/Alamy
Si Demi Moore y/o Margaret Qualley son reconocidas por The Substance, será un gran atípico en parte porque el terror ha tenido dificultades para abrirse camino en la escena de premios, salvo por la ocasional superproducción de prestigio como El silencio de los corderos o El exorcista (excepciones que confirman la regla, más o menos). Pero incluso si Moore y/o Qualley lo logran, aceptemos un regalo y pidamos más, porque este fue un año sensacional para las mujeres en el terror. Estas van desde veteranas reinas del grito como Mia Goth, completando su trilogía X de sexo y muerte con una interpretación sorprendentemente discreta pero aún ultracarismática de una actriz de películas para adultos empeñada en la fama en MaXXXine, y Maika Monroe, haciendo la transición de mujer valiente a adulta atormentada en la aterradora Longlegs; hasta recién llegadas como Nell Tiger Free, interpretando a una monja aterrorizada en el sorprendentemente buena precuela The First Omen, y Hunter Schafer mezclando slapstick y dolor en el confuso Cuckoo.
Lupita Nyong’o en A Quiet Place: Day One. Fotografía: Gareth Gatrell/AP
Estas mujeres no solo están gritando a todo pulmón, tampoco. Lupita Nyong’o transformó A Quiet Place: Day One de una extensión de franquicia a una meditación conmovedora e inesperada sobre la muerte y el control con su sobria y desgarradora actuación. A veces, las reinas del grito de 2024 incluso mostraron una gran variedad a través de múltiples tipos de películas de terror: vean a Kathryn Newton robando escenas en la centrada en vampiros Abigail y proporcionando el corazón herido y marginado de la comedia de terror Lisa Frankenstein. Es adecuado que un año fuerte para la actuación de terror terminara con Lily-Rose Depp dando una actuación de deseo posesivo de cuerpo entero, una que Robert Eggers dejó en claro que no involucraba la alteración digital de sus movimientos. (Bueno, ella levita en una escena pero aún así, entendido). Podrías llenar una boleta de nominación completa solo con esta impresionante alineación de miedo.