Jessica Mele, Fundación Hewlett
Por el día, Jessica Mele es una apacible funcionaria de programa en las artes escénicas en la Fundación William y Flora Hewlett especializada en educación artística. Por la noche, es una experta en comedia de sketches más conocida como miembro fundador de Chardonnay, un grupo travieso con sede en San Francisco. También es escritora y actriz que trabaja en un espectáculo en solitario sobre el drama de la maternidad, “Eat the Mama”.
Defensora de las artes de toda la vida, desde su papel como directora ejecutiva en el Taller de Artes Escénicas de San Francisco hasta ser parte del consejo asesor nacional del Gremio de Artistas Docentes, Mele recientemente se tomó un tiempo para hablar sobre las desigualdades en la educación artística en California, donde la investigación muestra que solo el 11% de las escuelas ofrecen acceso a una educación artística integral, y cómo la Proposición 28, la innovadora iniciativa de Artes y Música en las Escuelas que se lanzará este otoño, puede ser un cambio de juego para la creatividad en el aprendizaje.
P: ¿Cómo permitimos que las artes fueran eliminadas de las escuelas públicas?
R: El desfinanciamiento público de la educación artística en California está directamente relacionado con el desfinanciamiento público de la educación en California. La Proposición 13, junto con otra legislación antiimpuestos de los años 60, 70 y 80, ha llevado a un sistema financiero empobrecido. En ese estado de hambre, las expectativas culturales sobre las artes como “enriquecimiento” o un beneficio para los niños “talentosos” impulsan decisiones de financiamiento que despriorizan las artes y la cultura. Esto alimenta las desigualdades raciales y de clase existentes en el acceso a la educación artística y la demografía de los maestros porque aquellos educadores que son más propensos a tener experiencia directa con las artes tienden a ser aquellos cuyas familias podían acceder a las artes a través de medios privados, a menudo blancos o asiáticos, y adinerados.
P: ¿Qué opinas sobre la aprobación de la Proposición 28 en 2022?
R: La Proposición 28 es algo para celebrar. Nunca pensé que vería tanto dinero para la educación artística en las escuelas de California en mi vida. No es perfecto y requerirá muchos ajustes por parte del Departamento de Educación de California y las escuelas para distribuir y gastar el dinero sabiamente. No es ni de lejos suficiente, dada la magnitud y escala del alumnado en las escuelas de California. Y al mismo tiempo, es más dinero del que hemos visto para la educación artística en este estado en décadas.
P: ¿Qué desafíos están por delante?
R: Los directores y las escuelas se enfrentarán al desafío de descubrir cómo gastarlo. Los maestros de arte y las organizaciones artísticas tendrán la responsabilidad de hacer algo que nunca antes habían tenido que hacer: en lugar de tapar agujeros en el programa de educación artística de una escuela, pueden proporcionar orientación reflexiva a los directores sobre cómo desarrollar un programa de educación artística que responda a la cultura y necesidades de la comunidad escolar. Es un cambio de juego. Y ahora es responsabilidad de todos asegurarse de que se implemente cuidadosamente.
P: ¿Cómo afecta ser madre tu visión de las artes en la educación?
R: Protejo el derecho de mi hijo a la imaginación. Intento cultivarlo en casa a través del juego, el dibujo y la pintura. Intento hacer preguntas sobre su proceso de pensamiento, sus sentimientos al crear su obra de arte, las elecciones creativas que hizo. En la educación infantil, esto es simplemente buena pedagogía. Pero a menudo, en la educación artística en el nivel secundario, nos detenemos en el producto: “¿Qué es?”. Pero esos comentarios y preguntas no tratan la obra de arte por lo que es: una expresión del proceso de aprendizaje de un niño y su visión del mundo. Intento ayudarlo a dar sentido a las cosas que crea. Y trato de decir “sí” a cada impulso creativo que tenga, incluso si me siento ridícula. Y le digo que su imaginación es uno de sus activos más importantes.
En el preescolar, mi hijo solía venir a casa con obras de arte que ignoraban las líneas. Usaba tantos colores, le encantan los colores, y llenaba la página con formas y garabatos. Era imposible entender qué era algo. Y estaba decepcionado porque los niños en la escuela le decían que su arte no era “bueno” porque no se parecía a la cosa que se suponía que era, un tren o un auto o un Pokémon o un oso arcoíris. Intenté … animarlo en su propio viaje creativo. El arte no tiene que parecerse a algo para ser hermoso. No tiene que ser claro para ser interesante o tener significado.
P: ¿Qué crees que la gente fuera de las artes más necesita saber sobre cómo la educación artística puede tocar las vidas de los niños? Quizás especialmente ahora, post-pandemia.
R: El arte y la creatividad no son una panacea. Pero ciertamente es un bálsamo, especialmente para muchos adolescentes en este momento que están sufriendo problemas de salud mental post-pandemia. El proceso creativo implica un proceso reflexivo de observar un problema creativo, hacer un juicio al respecto, responder o expresarse dentro de una forma de arte, y luego, esto es clave y a menudo se pasa por alto en la educación artística, reflexionar y revisar. En otras palabras, el proceso creativo es una forma de aprendizaje que ayuda a los jóvenes a dar sentido a su mundo, expresar su opinión sobre ese significado, y reflexionar sobre la interacción entre su obra de arte y su entorno, escuela, comunidad, amigos, familia. En la adolescencia en particular, este proceso cognitivo es clave para desarrollar habilidades de pensamiento abstracto.
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